La Semiótica

¿ Ciencia o Filosofía ?

Umberto Eco identifica semiótica general y filosofía del lenguaje, dudando de que puedan tratarse fenómenos de significación y/o representación como se trata a los objetos de la física o de la electrónica.
Sin embargo la cuestión está constantemente tergiversada al tomar en consideración a priori de "sistemas de signos" cuya constitución daría cuenta de la evidencia. La semiótica se vuelve entonces una especie de tipología de los sistemas significantes realizada a partir de la formalización más o menos acabada de estructuras formales extraídas empíricamente de cada sistema.

Queda claro que la vaguedad que domina en la noción de sistema y la imprecisión que reina, no bien salimos de los sistemas explícitamente construídos para un uso determinado (código de la ruta por ejemplo), no permiten la construcción de una teoría hipotético-deductiva, por falta de términos primitivos formalizables y con mayor razón y con mayor motivo de reglas de la deducción que le conciernen. De esta manera puede explicarse que, bajo pretexto de reintroducir el tema excluído por el estructuralismo, se haya recurrido al psicoanálisis (lo que produjo la "semanálisis" de J. Kristeva por ejemplo). En efecto, recurriendo al inconciente que, por construcción, es y será siempre una virtualidad (si no una comodidad) como un lugar oculto en el que se elabora el sentido, se disuelve todo objeto posible en una "psicología de las profundidades" menos accesible aún a la crítica científica ya que pretende situarse más allá, en la particularidad de la experiencia de un sujeto individual.

No es éste el ámbito para argumentar y debatir acerca de esas cuestiones que necesitarían importantes desarrollos. Sin embargo, independientemente de la validez de los juicios que preceden, pensamos que al exhibir un objeto para la semiótica, definido como se define todo objeto en las ciencias empíricas, podrá ofrecerse una alternativa al vértigo de los sistemas informes y de los procesos misteriosos que evolucionarían a nuestro pesar en las profundidades de nuestros inconcientes. Asumimos nuestras responsabilidades en la pregunta 3; en verdad, para nosotros se trata de producir a tiempo un corte epistemológico de la semiótica entre la ciencia y la filosofía.

Franz West expondrá en el Museo Tamayo

Un total de 21 obras entre esculturas, objetos, videos e instalaciones interactivas, gran parte de las cuales fueron realizadas entre finales de los años 80 y el 2009, integrarán la exposición "Franz West. Elefante Blanco" , que a partir del 11 de junio se exhibirá en el Museo Tamayo Arte Contemporáneo, de esta capital. En conferencia de prensa, Patrick Charpenel, curador de la muestra, aseguró que se trata de la primera exposición de este artista de origen austriaco que se presenta en América Latina. Afirmó que West es uno de los artistas más importantes del este de Europa del período de la pos-guerra y que gran parte de su obra está integrada por esculturas de papel maché, creadas con la intención de que el público interactúe con ellas con su propio cuerpo, es decir, tocándolas y cargándolas. Según Charpenel, es así como el artista ha buscado romper con las nociones y usos que históricamente ha tenido la escultura para propiciar la interacción del espectador con la obra, y que ésta actúe como una prótesis del cuerpo humano. Por lo que hace a sus instalaciones, agregó que West suele incluir sillas y otros muebles que también hablan del interés del artista, tanto en la función como en el aspecto de este mobiliario, además de su dimensión estética e interactiva. "West es una de las figuras clave del arte abstracto, y no sólo eso, sino que es uno de los creadores que está ejerciendo una de las influencias más importantes en las generaciones que vienen abajo y sería muy difícil que hubieran aparecido artistas como Jim Landín o Rebeca Warren, sin la obra de West" , señaló. Reiteró que West se ha caracterizado por su visión cuestionadora de las fronteras entre el arte y la vida cotidiana, entre el artista y el público. "Su obra constituye una invitación para que los espectadores piensen de nuevo en nociones preconcebidas sobre la diferencia entre el arte y la vida, la forma y la función, el espectador y el objeto, así como entre la belleza y la fealdad" , indicó. A decir de Charpenel, el título de la exposición 'elefante blanco' alude a algo que es excesivo. "En esta muestra nos referimos concretamente al desperdicio de espacio o al desgaste de energía. "Al deterioro de la materia prima aplicada en demasía, o de una acción que va más allá de los límites razonables.

Por ello decimos, cuando se produce una obra o un gesto que está fuera de toda proporción humana, que nos encontramos ante un gran elefante blanco", explicó. Es de resaltar que la obra de West, hace un llamado a pensar en los modos en los que el público interactúa física y psicológicamente con el arte, particularmente dentro de un entorno como la sala de un museo, donde usualmente los visitantes no pueden tocar las piezas de la exposición. Las 20 piezas que integran la exposición, a decir de Charpenel, fueron realizadas en metal, papel, alambre y en video, a través de las cuales es posible, literalmente, acercarse a una parte de la extensa producción de esta figura internacional que ha jugado un notable papel en el desarrollo de la creación artística posterior a 1965. Sobresale como un primer rasgo de la obra de West, la dimensión.
En sus inicios eran relativamente pequeñas, pero con el tiempo ha hecho piezas cada vez más grandes, hasta realizar instalaciones al aire libre, integradas por figuras gigantes que recuerdan formas biológicas o que parecen estar postradas. Otra característica es el uso de materiales deseables y precarios como papel maché, periódico, yeso, aluminio, gasa, cartón, alambre, mismos que a menudo recubre con pintura, ya sea blanca o de colores brillantes. Y un tercer rasgo fundamental de su trabajo, es la posibilidad y la invitación para utilizar algunas de sus obras, como sillones y sillas en los que el espectador puede sentarse a contemplar el arte desde otra perspectiva, incluso para que mire el trabajo de otros artistas que forman parte de la pieza. Es interesante resaltar que aunque las cédulas de las obras de West suelen especificar que éstas pueden ser tocadas, los espectadores se aproximan a ellas con cautela.


Las maneras en las que el público se relaciona con los trabajos expuestos demuestra elocuentemente la idiosincrasia de cada persona. Así, cuando el público interactúa con las obras, asume, de acuerdo con algunos analistas, un doble papel: el de espectador y el de parte viva de la pieza de arte. De este modo, la obra se convierte, tanto en escultura como en performance y collage. Con "Franz West. Elefante Blanco" , muestra que se presentará hasta el 13 de septiembre próximo, el Museo Tamayo da continuidad a su misión de presentar la obra de importantes artistas contemporáneos, cuya propuesta ha sentado precedentes.

FUENTE: EL UNIVERSAL

Picasso, Cézanne y Klimt encabezan encuesta de los artistas más importantes del siglo XX

Pablo Picasso, seguido de su admirado Paul Cézanne, y un artista muy distinto, el fundador de la Secesión austríaca Gustav Klimt, encabezan de momento una lista de los 200 artistas más importantes del siglo XX. La lista, que aparece en la edición de internet del diario británico The Times, la votan los lectores y puede resultar caprichosa, y aún disparatada, si se aplican criterios puramente estéticos. A los tres artistas citados siguen el impresionista Claude Monet, el padre del arte conceptual, Marcel Duchamp, el gran rival de Picasso, Henri Matisse, el expresionista abstracto norteamericano Jackson Pollock, el pionero del pop art Andy Warhol, el también expresionista Willem de Koonig, y el abstracto radical holandés Piet Mondrian, que ocupa el décimo lugar. George Braque, el otro maestro del cubismo junto a Picasso, aparece en decimocuarto lugar, detrás, por ejemplo, de Francis Bacon y Robert Rauschenberg, pero muy por delante de Juan Gris (64). A su vez, la mexicana Frida Kahlo figura en decimonovena posición, antes de Paul Klee (21), Alberto Giacometti (25), Salvador Dalí (26) o el escultor Auguste Rodin (27). Hay numerosos ejemplos más de la extravagancia de la lista como el hecho de que un artista alemán poco conocido del gran público y que destacó sobre todo por provocador e iconoclasta como el alemán Martin Kippenberger esté en el puesto 20 cuando Joan Miró figura en el 74. Por cierto que el gran surrealista español, o el expresionista autriaco Ernst Ludwig Kirchner, están muy por debajo de los británicos Tracey Emin (la de la cama sucia y deshecha), que está en el puesto 53, seguida del artista de los tiburones en formol, Damien Hirst. Otros español en la lista es Antoni Tapies (105). El mexicano Diego Rivera aparece en el puesto 155 y el cubano Félix González Torres en el 159.

Análisis de LA ULTIMA VIDA EN EL UNIVERSO

LA ULTIMA VIDA EN EL UNIVERSO DESDE UNA APROXIMACION SEMIOTICA.

Este análisis lo hice hace algunos meses atrás espero sus comentarios....

La metáfora en: la última vida en el universo desde una aproximación semiótica

La metáfora es, desde el punto de vista semiótico, la ruptura del símbolo, la manifestación de un conflicto interno del símbolo.
Peirce dice que una metáfora es un hipoicono que muestra determinadas tríadas de cualidades en un objeto, al mostrar tríadas de cualidades en el signo está diciendo esto mismo: que tenemos un símbolo que quien interprete use ese modelo de asociación de cualidades para que descubra cualidades análogas predicadas en un nuevo objeto a descubrir. Ahora, desde el interior del lenguaje, ese descubrir consiste precisamente en usar de nuevo ese juego predicativo, del símbolo viejo, trasladándolo para bautizar el objeto nuevo.

Pero desde el punto de vista no interior al lenguaje, esa acción de aplicar una predicación vieja en un acontecimiento nuevo requiere de fenómenos no lingüísticos y que no pueden ser reducidos al lenguaje. No pueden ser reducidos a explicaciones formales del lenguaje.
Los símbolos del primer fragmento de la película hablan de un orden, de una estabilidad en la historias de los personajes mostrados. Es una metáfora de tipo visual, dramática nos da los puntos de comparaciones dados por los textos semióticos del primer fragmento de la película. y porque le dan cierto dramatismo al mismo film.
Analizando bien el primer fragmento puedo decir que, muestran una comparación con el protagonista de la historia, en un proceso de estancamiento psicológico que lo hace caer en una de las primeras imágenes que vemos cuando se quiere suicidar, esto remitiéndonos precisamente a la metáfora de la vida y muerte, la serie de símbolos que se repiten en toda la película. Solo que un cierto grado de evolución para el personaje principal, hasta llegar a un final.
En el segundo fragmento, habla de los mismos símbolos pero ya los vemos de una manera distinta, ahora se agrega el símbolo del gallo esto hace una metáfora de que nos refuerza la personalidad del protagonista, indica su individualidad en la historia como empieza a desaparecer y otra persona empieza a ser parte de su vida. Creo que esto es muy acertado de parte del director poner en esta parte de la película la metáfora del gallo, concuerda un poco con el discurso presente en todo el film del orden y el caos, es un juego constante, se presenta muy bien con Noi, su personalidad y su modo de vivir es contraria a Kenji.

En el tercer fragmento el símbolo que destaca es la maleta, esta habla del final es una metáfora del círculo , o sea todo tiene su principio y su final, el símbolo del círculo habla siempre de ciclos que se cierran o se abren.


Sigue predominando pero en menor escala el discurso del orden y el caos, también nos muestra como metáfora el cuento y el bolso, esto quiere decir que la historia se viene acabando y que se puede empezar en cualquier momento.
A modo de conclusión, puede sonar redundante pero lo mencionado anterior de la metáfora del círculo como espectadores nos hace entender lo que en un principio no nos era muy claro.
Como conclusión general, puedo decir que el problema de la distinción que el lenguaje ordinario hace con tanta facilidad entre metáfora y lenguaje no metafórico, que mencionábamos mas arriba queda resuelto cuando comprendemos que es posible admitir una diferencia de grado en los diferentes usos del lenguaje, todo depende como queramos trasmitir nuestro mensaje y como queramos que se perciba, cosas muy distintas
En este punto del ensayo se me hace prudente mencionar las palabras de E. Garroni cuando dice que el cine en su caso particular el receptor puede percibirse de una manera determinada , este recibe información y se ve envuelto o afectado igualmente a un nivel conciente, si manteniéndonos en una terminología voluntariamente imprecisa narra alguna cosa y enriquece la narración con sugestiones connotadotas intencionales y que técnicamente pueden captarse en tal caso el cine debe ser algo articulado y estructurado.
Creo que con esto entendí que me lleva a considerar el lenguaje fílmico como algo inmediato y global, y a la vez como algo puramente instrumental y transitivo, algo que no es propiamente un lenguaje, o sencillamente como un medio que se ofrece como un simple instrumento para comprender e hilar los sucesos que vemos ante nuestros ojos, la semiótica nos da las herramientas para poder descifrarlo.
La verdad el enfoque semiótico en el cine ha ido oscilando entre una extensión mecánica difícil de aceptar, y no es fácil ver una película desde un punto de vista semiótico, antes tenemos que educarnos.



*METÁFORA - LENGUAJE - "CÍRCULO HERMENEÚTICO" -
INTERPRETACIÓN -www.henciclopedia.org.uy
**Cualquier imagen material, como una pintura, es muy convencional en su modo de representación; pero en sí misma, sin leyenda o título, puede llamarse hipoicono.
***Desde los círculos de piedra hasta la rueda, este símbolo sagrado religioso de unidad para muchas culturas antiguas, especialmente en el oriente, el círculo refleja la naturaleza continua de nuestra existencia
****E. GARRONI-PROYECTO DE SEMIOTICA-1973 PAG 64 Y 65.

EL CINE Y LA PINTURA

La comparación entre el cine, la pintura y la música, no es tan antigua como los primeros debates sobre el film. No voy a hacer extenso esta retórica pero hablaré de las posibles conexiones entre el analisis del film y el analisis de la pictorica y musicales. Estos ultimos tienen una larga tradición casi tan rica como la del analisis del relato literario, de manera que deben ser legitimamente capaces de actuar como disciplina de referencia para este artículo.

Resulta evidentemente imposible dar cuenta de todos los modos de analisis pictoricos desarrolados en los ultimos siglos. Como en muchos otros campos, el siglo XX ha tendido a considerar en su integridad un cuerpo cada vez mas enorme, que desborda rapidamente los limites de neustra cultura para incluir las artes de todo el mundo.

El analisis de obras pictoricas goza pues de una antiguedad mucho mas considerable sin lugar a dudas que la del cine, atravesado por multiples tradiciones que a veces se remontan a las reflexiones de Platón sobre la imitación artistica y que no han dejado de despertar el interés de la teoría del film . Lo que en este artículo vamos a analizar será la obra "PESCA NOCTURNA EN ANTIBES(PICASSO 1939) este analisis es de Rudolph Arnheim.

Parte de la hipótesis de que, en un buen cuadro, el significado principal debe expresarse directamente en las propiedades de la forma visual, por lo cual se propone seguir lo mas de cerca posible aquello que esta totalmente presente ante nuestros ojos , dedicandose a la realizacion de un detallado inventario descriptivo. Así distingue tres zonas principales en el cuadro de Picasso, el panel vertical de la izq.que representa a la ciudad y el castillo medieval de Antibes, el medallón central de los dos pescadores en su barca, rodeada de luz y peces, y el panel de la derecha, con las dos chicas sobre una escollera de piedra. Esta collera, que se encuentra en primer plano, se relaciona directamente con nosotros mediante los solidos cimientos de las paredes que se encuentran a base del cuadro: " Después de haber sido transportados de izq a derecha por el cuadro, nos sentimos atrapados y retenidos por las dos jovenes que, con su bicicleta y helado , con sus cabellos al viento y sus porminentes pechos, parecen estar ahi para representar a los despreocupados y estéticamente alejados de los espectadores.Este punto de observacion sire igualmente de separador "priva a los pescadores de una parte de la comunicacion directa que podrian mantener con el observador. " Picasso representa la escena central mas como algo que mira que como algo que esta allí"

La movilidad de la imagen cinematografica, que prohibe practicamente cualquier tipo de analisis compositivo del encuadre filmico , puesto que las estructuras que quedan al descubierto tras detener la imagen no "retienen" nada , en general, cuando el film empieza a desfilar por el proyector........

LA COMUNICACION DE MASAS

En el seno de la sociedad industrial avanzada, los hombres continúan comunicándose, como lo han hecho siempre, de viva voz. Pero se comunican también de mil otras maneras que les han sido legadas por la hsitoria, según técnicas que están en relación, a la vez, con el funcionamiento social y el estado general del desarrollo técnico: carta, libro, telegrama, teléfono, radio, televisión, internet, etc.

La comunicación de masas es el modo particular de la comunicación moderna, que permite al emisor de la comunicación ( el individuo o el grupo del que emana) dirigirse simultaneamentea un grán número de destinatarios. El cine, la prensa, la publicidad, la radio, la televisión, realizan, pues, la comunicación de masas: son los medios de comunicación de masas. El libro y el disco se sitúan en fronteras, puesto que, permiten dirigirse a un número de personas que puede ser considerable, pero que también puede ser restringido.

La producción industrial en su conjunto mantiene, igualmente, ciertas relaciones con la comunicación de masas. Cuando una industria fabrica y distribuye un objeto no está normalmente concebido como un mensaje, al contrario que un artículo en el diario o una emisión de radio. Sin embargo, este objeto comunica algo y lo comunica a un gran número de personas. así, el automovil posee ciertos puntos comunes con un medio de comunicación de masas, sin que, por supuesto esté hecho sea directamente dependiente de su carácter de medio de transporte.
La comunicación de masas no es , hoy , un hecho propio únicamente de los países occidentales ni, incluso de las sociedades industriales. La red de mass media es tan tupida en los paises socialista como en los paises capitalistas; y es interesante constatar que la industria cultural es muy a menudo la primera en instalarse en los paises del Tercer Mundo.

De todas formas los mass media estan hasta tal punto inetgrados con los regimenes socio-economicos y politicos, que ha parecido indispensable elegir y por tanto limitarse a un analisis de la version occidental de la comunicacion de masas; por otra parte la mas interesante y la mas rica, sociologicamente hablando. Toda clase de razones, hancen en efecto que hasta el presente al menos, solo el regimen capitalista en un estado avanzado de su desarrollo haya podido dejar
desarrollarse a los mass media como un sistema social, un conjunto dotado de autonomia , cuyas funciones som, por una parte, el producir y distribuir un cierto numero de bienes culturales, y por otra, servir de punto de comunicacion y de cofrontacion entre los diversos sectores de la realidad social.

DIRECCION ARTISTICA

La dirección artistica, junto con la cinefotografía, son áreas del quehacer cinematográfico que se encargan de la apariencia plástica de una película. Siempre al servicio de la realización, ambas ayudan a crear atmósfera adecuada para cada relato específico. Una buena dirección artística es tan importante como una buena fotografía, actor o director. El director de arte es el responsable de dar una unidad estilística y visual al film, siempre basado en el guión y no solo en su gusto personal. De esta forma , coordina áreas tan diversas como escenografía, ambientación, utilería, vestuario, maquillaje, así como el uso del color.

A pesar de esto, se aprecia muy poco la labor que desempeña un director artistico. Todo conocedor de cine sabe que , dirigió Ciudadano Kane, pero pocos recuerdan o saben que el el director de arte fue Perry Ferguson,a pesar de que sus diseños contribuyeron a que la película se convirtiera en un clásico de la historia del cine.

Debido a esta carencia de información, no resulta extraño que en México , apenas durante las 3 ultimas decadas, se le haya empezado a conceder cierto valor a la direccion artistica, mas allá del tradicional sentido decorativo que tuvo en el pasado. Aunque el crédito de DIRECTOR DE ARTE se genero como tal en los años 2o, la labor que desempeña se practicó de una u otra forma desde los inicios del cinemafotógrafo.

DIRECCION DE ACTORES.

Cualquier ser humano es capaz de actuar, pero no cualquiera es actor. El hecho de jugar con una historia, de aprender un texto, de moverse, incluso con gracias, en el ámbito de la ficción, lo puede ejecutar cualquier persona con una capacidad arriba de la media; y hacerlo hasta con sinceridad, habilidad, presencia y lo que muchos llaman "ángel". Mucha de esta gente llega a vivir, en el sentido amplio, de esta capacidad de actuar, con base solamente en su propio yo. Llegan a ser famosos, envidiados, admirados y ricos, e incluso paradigmas de actor, paradojicamente no son actores. Alguien así es él mismo, con sus características ,disfrazado en un juego pedestre de un simulacro de personaje, simulación que llega a repetir hasta la saciedad. Es el caso del actor aficionado y de no pocas estrellas.
Esta posiblidad de hacer de actor, no siendo actor, provoca una confusión que arrastra los actores, a los que fungen de actores, a los directores y al espectador; lo que explica la falta de rigor para abordar verdadera y profundamente la ficción y el hecho de que produzcan en el plano actoral, por lo menos, trabajos discutibles de calidad

Festival Internacional de Cine de la Ciudad de Chihuahua

El Festival Internacional de Cine de la Ciudad de Chihuahua, invita a los artistas,
directores, productores, instituciones, centros educativos públicos y privados,
organizaciones y al público en general, interesados en la producción audiovisual y como
parte del fomento a la creación de medios de expresión artística; a el primer concurso de
cortometraje en tres categorias, FICCIÓN, DOCUMENTAL y ANIMACIÓN.
Como incentivo a la creación local se hace una mención exclusiva, a talentos de la
entidad en la categoría especial mejor cortometraje CHIHUAHUENSE dentro del marco
de celebración de los 300 años de la fundación de la ciudad de Chihuahua, el cual tendrá
lugar los días 20, 21 y 22 de agosto de 2009 en Chihuahua, Chihuahua, México.
Un comité especializado seleccionará los cortometrajes que integrarán la selección oficial,
de la cual el Jurado seleccionará los cortometrajes premiados, los cuales se darán a
conocer en la Ceremonia de Premiación.

SUCESION DE PLANOS

El montaje por planos sucesivos corresponde al proceso de la percepcion natural, que se establece mediante la sucesion de momentos de atencion. En forma continua e inconsciente elaboramos una vision global con ayuda de los datos sucesivos de nuestra vista. Del mismo modo, la sucesion de los planos de una pelicula es vivida por el espectador como la sucesion de momentos de una misma percepcion. Es, pues, el montaje lo que le da al espectador la ilusion de percepcion real. Incluso los cambios de tamaño de plano se justifican asi. Corresponden aun acercamiento o a un alejamiento instantaneos del objetivo percibido, lo cual es fisicamente imposible, pero refleja con exactitud la realidad de la atencion.

ARRANCA FESTIVAL DE CINE DE DERECHOS HUMANOS

El Festival Internacional de Cine de Derechos Humanos de Buenos Aires arranca hoy su undécima edición con un homenaje al crítico y director de cine Raymundo Gleyzer, a 33 años de su desaparición, y al actor y director Pepe Soriano, en reconocimiento a su trayectoria.

El eje central sobre el que va a girar esta nueva edición del festival, que se prolongará hasta el próximo 10 de junio, es la sensación de encierro que se vive en distintos ámbitos de la realidad social.

El "II Concurso Colifata: Otra mirada", realizado en colaboración con Radio La Colifata, pionera en el mundo por emitirse desde un hospital psiquiátrico; y el apartado "Cárceles", que contará con un jurado compuesto por mujeres de un instituto correccional de Buenos Aires que elegirán el filme que mejor represente su vida entre rejas, serán las dos secciones que aborden la sensación de encierro.

Además de la proyección de más de un centenar de filmes, ordenados en secciones como "Ambiente", "Pueblos Originarios", "Miradas de Género", "Memoria y Dictadura" y "Migrantes", se realizará el "Primer Foro de Cine Social y Político", que contará con la participación de representantes del canal de televisión árabe Al Jazeera y de la organización humanitaria "Witness".

La muestra fotográfica "Mirada interior", de Valerio Bispuri, permitirá conocer de cerca la vida en las cárceles argentinas, mientras que "Ventana Nápoles" acercará al festival a una delegación representativa del sector cinematográfico de la región italiana.

Otra actividad paralela a las proyecciones será una visita guiada por el que fue el centro de detención clandestina más importante del país durante la dictadura (1976-1983), la Escuela de Mecánica de la Armada (ESMA), a lo que se sumarán varias mesas de debate, entre las que destaca una acerca del tráfico de mujeres y niños para su explotación sexual.

Entre los títulos que se podrán ver durante el festival, está la italiana "La hora del amor" que aborda el momento del encuentro de los presos con sus parejas al salir de la cárcel; mientras que "Las lágrimas de mi madre", de Alejandro Cárdenas, narra la historia del exilio de una pareja argentina en Alemania durante la dictadura.

La película que dará esta noche el pistoletazo de salida será "Stories on Human Rights" ("Historias de Derechos Humanos"), un filme colectivo compuesto de varios cortometrajes realizado para conmemorar el sesenta aniversario de la Declaración Universal de los Derechos del Hombre.

LOS TEMAS FAVORITOS DE LOS FOTOGRAFOS

Durante un largo periodo los fotografos de Mexicotrabajaron diferentes generos artisticos de acuerdo con las necesidades sociales, politicas y culturales que se presnetaron. Al importar tecnicas de represnetacion,tambien improtaron estilos de trabajo y en lso años en que la pintura era de las manifestaciones artisticas mas destacadas, la fotografia heredo de ella los temas y las formas de realizar la composicion , la iluminacion, las poses y las actitudes de los modelos ante la camara.

La capacidad de la fotografia para reflejar los elementos de la realidad tangible hizo que los temas favoritos tuvieran que ver con necesidades de representacion social, de registro o de intencion testimonial. Debido a largos tiempos de exposicion y a una preferencia pictorica en la representacion, los fotografos realizaban imagenes mas estaticas.

Una de las fotografias mas destacadas de esa epoca es la que se realizo durante la intervencion estadounidense en Mexico en 1847. En este daguerrotipo posaron, por varios minutos , los soldados defensores de la patria; tambien aparece un herido y el medico que lo opero, quien sostiene la pierna amputada del soldado en su mano. Hasta donde se tiene noticia, esta es la primera fotografía de guerra realizada en todo el mundo.

Los fotografos como Carl Lumholtz, frederick Starr ó Teobert Maler fotografiaron a los indigenas con una vision cientificista, clasificadora o en caso contrario idilica, del personaje y su entorno.
Tambien se trabajaron con una clara herencia pictorica. La pintura habia sido hasta ese momento el medio mas adecuado para preservar una imagen propia o ajena. Los costos por mandarse a hacer un retrato al oleo eran muy altos y por eso la fotografia permitio que otros grupos sociales tuvieran posiblilidad de permanecer para la posteridad en un vidrio o papel.

Todos en Armonía

En medio del enorme caos que significa el rodaje, el director intenta establecer un equipo de cuya creatividad depende el exito. Por supuesto, la foma en que cada uno se acerca al equipo es ligeramente diferente. Al final, el "tono" de cada equipo esta determinado en gran medida por la personalidad del director. Como director tienes que ser totalmente simpatico con los actores. hay que sentirse compenetrados con ellos, este sentimiento es valido hacerlo sentir a todos los del crew. Todos los miembros de la pelicula deben gustarse entre sí, depender unos de otros, confiar los unos en lso otros. Los actores tienen que estar convencidos de que el director los protegerá en cualquier momento, que es su mejor amigo...en un libro Oliver Stone dice " Trato de situarme ene l lugar de los actores, de sentirme como ellos, entenderles al maximo y , de esta forma poder apoyarlos con mas eficacia. Porque considero que ellos necesitan un sosten emocional y moral".

La nueva Fotografía Periodística

Para fines del siglo XX, la fotografía periodística y documental se convirtió en uno d elos generos por excelencia. la fuerza de los movimientos sociales en el mundo y en particular en A. L, motivaron a los fotografos a salir a la calle con sus modernas y rápidas camaras de formato 35 mm, las que conocemos hoy como reflex, para así evidenciar las condiciones sociales, políticas y economicas de estos paises.

Era una manera clara y critica de mostrar el lado oculto de los pueblos y los fotografos se porpusieron dar a conocer estos aspectos mediante un discurso testimonial. Estos trabajadores de la lente abrieron una veta documental y periodistica de la cual se beneficiaron los jovenes de aquella generacion.

Asi surgieron talentosos audaces fotografos que empezaron a trabajar para las publicaciones de indole democratico y de apertura.

Las imagenes volvieron a tener la fuerza de aquellas fotografias de los años 30, ademas que la tecnica se depuro mucho ya que se contaba con mejores equipos. Las camaras eran mucho mas ligeras, mas silenciosas, peliculas mas sensibles a la luz, que incluso ya se permitian algunas tomas sin flash en lugares ded escasa iluminacion , tambien los quimicos y los papeles habian mejorado mucho.

De esta manera se tomaron representaciones con una fuerte carga emotiva y estetica. Aquellos jovenes fotografos se hicieron especialistas en diferentes generos, por ejemplo Pedro Valtierra capturo imagenes de las terribles guerras de El Salvador y Nicaragua y Eniac Martinez muestra las condiciones entre el campo y la ciudad

Asi ha ido evolucionando la fotografia hasta nuestros tiempos.....

Realidad o Ficción

Durante el porfiriato la fotografía tuvo una gran variedad de usos:el registro de presos,las tomas de paisaje rural y urbano,los reportajes gráficos, la publicidad de productos comerciales, el retrato y una infinidad de propuestas fotográficas que se sucitaron con la mejoría de las técnica de reproducción y con el abaratamiento de los costos. La reproducción estereoscópica fue uno de los principales usos comerciales del arte fotográfico de la época; su importancia radico en la posibilidad de crear una ilusión óptica, sencilla y verás.


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EL DISCURSO CODIFICADO

Durante la epoca de oro de las revisats ilustradas, el gremio de fotorreporteros se vio favorecido por las practicas editoriales y los fotografos tuvieron importantes fuentes de empleo. La profesión cobró tal importancia que en 1947, se realizo la primera exposicion de fotoperiodismo en el Palacio de Bellas Artes, organizada por la revista Mañana y la Asociacion Mexicana de Fotografos de Prensa.

Entre los mas de 40 reporteros que participaron estaban: Antonio Carrillo Sr.,Antonio Carrillo Jr, Enrique Díaz, Enrique Delgado,Luis Zendejas, los miembros de la familia Casasola, Los hermanos Mayo..etc

En el ambito internacional tambien se dieron importantes transformaciones en las tecnicas de obtencion de imagenes: La segunda Guerra Mundia habia abierto un amplio espetro de posibilidades fotográficas. Ademas, surgieron importantes figuras y agencias internacionales que distribuyeron sus fotgrafias por todo el mundo e hicieron patentes los horrores y la devastacion de la guerra.

El fotografo Nacho Lopez implanto un discurso visual diferente: El fotoensayo. Sus Colegas con más experiencia habian dejado huellas importantes por ese camino, sin embargo es lópez el mejor representante de este nuevo género, ya que impulsa una nueva manera de trabajar la imagen . Lopez porvocaba la realidad montaba situaciones en las que hacia participantes a los habitantes de la ciudad.

Tal es el caso de Venus se fue de juega, fotografia que se logró mientras un hombre (siguiendo la idea de Lopez) paseaba por la ciudad con un maniqui desnudo. Lopez siguió la juerga de este hombre y su Venus y reetrato las diversas reacciones de la gente.
Nacho Lopez formó a muchos fotografos con su estilo critico y de fuerte denuncia social. Ademas, es uno de los pocos fotoperiodistas que han escrito sobre la practica y la teoria fotografia, creando un valioso material textual y gráfico que ha constituido un pilar en la fotografia mexicana contemporánea.

¿¿EL CINE NEGRO MEXICANO??

El cine negro, si bien no ha tenido una clara definición ni menos un margen de descricpión, el film noir o cine negro fué aquel que reinó en Hollywood en los años cuarenta y la primera mitad de los cincuenta con argumentos y personajes de índole criminal.
El término cine negro al principio tuvo una connotación crítica y analítica y durante muchos años no despertó el interés de la industria cinematográfica. Cuando se estrenó Alma en suplicio fue clasificada y comercializada como melodrama. El concepto estaba asociado a un estilo visual fuerte y característico que, sin embargo, también presentaban películas de otros géneros. Así, la crítica no sabía si considerar a este tipo de cine como un género, un estilo o un movimiento.


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EL CINE MEXICANO Y EL CINE DE ROBERTO GAVALDON

Las bases del comic estan en Alemania (Wilhelm Busch) cuando empezó a hacer unas rimas acompañadas de dibujitos, más tarde (1896) R.F.Outcalt crea una serie llamada "El niño amarillo" la cual fúe muy famosa en esu tiempo. De hecho, podriamos decir que de ahí nació la palabra periódistica "amarillismo"
El comic como lo conocemos hoy en día se inició en Alemania — por parte de Wilhelm Busch — con la publicación de unas rimas que iban acompañadas de un dibujo alusivo y que fueron conocidas como Max und Moritz. Unos cuantos años mas tarde, en 1896, Richard F. Outcalt crea una serie titulada "El niño amarillo", publicado en cierto periódico neoyorquino. De hecho, de allí nació el término periodístico ‘amarillismo’.

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El cine de Narcos

El cine de narcos o mas bien llamado el narcocine, viene de la mano con los narcocorridos, cuya popularidad aumenta día a día en todo centroamérica.
Existe un corrido muy famoso llamado " La cruz de marihuana" que se hizo película por la productora Casablanda de México, con la dirección de Pedro Galindo. Vámonos un poco a los orígenes de la historia del narcocine, éste nacio en la década de los 70's, desde esa época en adelante el cine de narcos ha sido una fuente de ingresos constante en las pequeñas y medianas productoras cinematográficas que no reciben ayuda estatal, podría decirse que el cine de narcos esta muy ligado con el cine de ficheras o tambien que es un apéndice de éstas mismas.

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El cine de las masas ( al pueblo pan y circo)

Esperando que todos hayan tenido un buen inicio de semana. Hoy en el segmento de “El cine…”hablare de el cine comercial.
Una de las preguntas más recurrentes entre los amantes de cine de todo tipo es el ¿Por qué la gente acude con frecuencia al cine comercial?
¿Será el cansancio cotidiano, que todos tenemos por nuestra vida llena de limitantes, que vamos a encerrarnos en una caja a que nos cuenten sueños? Ó tal vez ¿ha sido por que nunca nos han enseñado el valor de apreciación de las cosas y no sabemos distinguir entre cualidad y cuantidad?

para profundizar en el articulo vea la entrada que publiqué en ...KITSUNE BLOG