31.10.09

La importancia de la comunicación

Navegando por la web, descubrí una serie de artículos sobre la importancia de la comunicación visual pero el que más me gustó fué este que les traigo a continuación es sobre la importancia de la comunicación web y audiovisual, espero que les guste:
"La Globalización representa lo que nos afecta a nivel planetario, pero no se trata de un fluído atmosférico como el ozono o el oxígeno, sino de una suma de nodos, muchos de ellos sujetos a consideraciones nacionales y casi todos, a realidades físicas… interconectados. 

24.7.09

LLEVAN AL CINE VIDEOJUEGO DE WORLDCRAFT


Sam Raimi, el director de la saga SpiderMan, realizará una adaptación cinematográfica y con personajes reales de la popular franquicia de videojuegos "World of Warcraft", informó hoy la revista especializada Variety.

La financiación correrá a cargo de Legendary Pictures, Blizzard Entertainment división de juegos del sector Viviendi y Warner Brothers.

Según la publicación, Raimi supervisará el desarrollo de la adaptación y dirigirá el filme tras completar su trabajo al frente de "SpiderMan 4", cuya producción comenzará a principios de 2010.

El universo "Warcraft", muy popular entre los internautas, con más de once millones de jugadores registrados, presenta una batalla épica entre la Alianza formada por humanos, gnomos, enanos y elfos y la Horda compuesta por orcos, muertos vivientes y trolls.

Desde su creación en 1994 no ha dejado de entusiasmar a millones de adeptos y de su última versión, "Wrath of the Lich King", se repartieron más de 2,8 millones de copias en su primer día a la venta.

Esta franquicia es "un emblema del tipo de películas" por el que son populares los estudios Warner Bros., dijo Jeff Robinov, presidente de la entidad, quien de esta manera da luz verde al acuerdo alcanzado en 2006 por Legendary y Blizzard para llevar al cine este videojuego.

"En su núcleo, 'Warcraft' es una historia fantástica y repleta de acción", manifestó en un comunicado Raimi, cuyo última película fue la terrorífica "Drag Me to Hell". "Estoy entusiasmado por poder llevar este proyecto a la gran pantalla", agregó.

23.7.09

Lucha Libre Animada

Será este próximo otoño cuando llegará a nuestras pantallas la producción Triple A, la Película, producida por Anima Estudios, contando con la presencia en dibujos animados de reconocidos gladiadores de la lucha libre como Konnan, La Parka, Cibernético, Octagón y el recién fallecido Abismo Negro.

Bajo la dirección de Alberto Mar, quien también trabajó para la productora en el largometraje Imaginum y en algunos episodios de la serie animada El Chavo, la historia, que está dirigida para toda la familia, pero en especial para el público infantil y adolescente, cuenta con un mensaje positivo de amistad que deja atrás viejas rencillas en busca de un objetivo afín.

Es así como Triple A, la Película muestra a un grupo de rudos que, ante la amenaza de una invasión alienígena, decide hacer las paces con los técnicos para intentar salvar a la Tierra.

En plena etapa de posproducción se encuentra esta película, la cual es parte de una estrategia de Anima Estudios, que desde hace siete años se propuso reactivar la industria de la animación en México y toda Latinoamérica, contando con apoyo financiero estadunidense, aprovechando la gran plataforma tecnológica con que se cuenta en la actualidad.

Además, la película cuenta con la presencia de los cronistas deportivos Arturo "El Rudo" Rivera y el doctor Alfonso Morales, que también han ganado fama gracias a las transmisiones televisivas de la lucha libre.

Asimismo, grupos de rock y ska serán parte del soundtrack, en el que será incluido el clásico tema de La Cumbia de Lucha Libre, que dará un toque especial a la cinta que desde ahora se le vaticina un éxito de taquilla, gracias a la enorme popularidad que posee dicho deporte.

14.7.09

ANALISIS DE LOS DIVERSOS TIPOS DE ESCENAS

Este artículo tiene por objetivo aclarar ideas sobre ciertos aspectos de las posibilidades narrativas del lenguaje cinematográfico, y sobre el criterio con que se filman las diversas escenas, en relación con las distintas funciones que pueden tener en el film.

ESCENAS CLAVE

Son todas aquellas que contituyen los núcleos sobre los cuales se desarrolla la narración cinematográfica. Se puede decir que son indispensables para una buena comprensión del film. Naturalmente, cuantas más pretensiones tenga el film, y cuanto más largo y complejo sea su desarrollo, más numerosas serán estas escenas.

ESCENAS SECUNDARIAS

Sirven para amenizar, hacer interesante y completar el film; incluso son necesarias si cumplen funciones informativas, descriptivas, etc, pero son determinantes , no son básicas como las escenas clave.

ESCENAS DESCRIPTIVAS

Muestran un paisaje, para presentar un ambiente, una situación una atmósfera e incluso una acción pero en un contexto general ej, el trabajo de un operario o de indicadores en un documental o en un film de viaje. Son por lo general, escenas de introducción , con determinada funcion; a veces pueden ser importantes, a veces indispensables..siempre es necesario ambientar la acción o caracterizar un lugar o atmosfera, otras veces inútiles, es preciso prestar atención porque un uso inadecuado o un abuso de las mismas ( ciertos personajes prolijos en una secuencia o accion) conduce a la pesadez del film, privandote de la acción o ralentizando su ritmo.


ESCENAS DE ACCIÓN

Se componen de cuadros que muestran la accion con mucha claridad , se muestra el desarrollo de la accion principal que lleva a cabo este sujeto. Es evidente que en estas escenas son siempre muy importantes, practicamnete determinantes porque son aquellas verdaderamente narrativas. Las escenas de acción son casi siempre escenas clave y la mayoria estas realizadas por P.M o P.P o sea mas bien próxima para que espectador pueda ver bien lo que esta haciendo el personaje.


11.7.09

La fotografía Documental

"Además de admitir muy variadas interpretaciones, el concepto de fotografía documental es muy amplio. Si bien toda fotografía es en última instancia también documental, incluso las creaciones artísticas y aquellas que son manipuladas -puesto que siempre están refiriendo a algo o a alguien-, el concepto se refiere a un género en particular con sus propias reglas de realización.
En un sentido estricto, se considera fotografía documental la que constituye evidencia en relación a la realidad.
Ese contenido de evidencia fue el primero que vieron los creadores de la fotografía y también sus comentaristas. François Arago, al hacer la presentación del invento de Daguerre, en agosto de 1839, explicó que con la nueva técnica se podrían reproducir por ejemplo los jeroglíficos y los monumentos del antiguo Egipto, para luego ser estudiados. El sentido documental de la fotografía estuvo muy claramente expresado y se ha enriquecido con el paso del tiempo.

Una segunda posibilidad del concepto de fotografía documental se refiere a lo que llamamos fotografía social, documental social y también testimonial.
Este género se refiere, como el nombre lo explícita, a la documentación de las condiciones y del medio en el que se desenvuelve el hombre, tanto en forma individual como social y, en ese sentido, su nivel de complejidad es muy profundo.

Obviamente, el fotoperiodismo se nutre de la fotografía documental y forma parte de esta, siendo su consecuencia natural pero, a diferencia del documentalismo social, se interesa de aquellas situaciones, hechos o personajes que constituyen o son noticia, materia fundamental de la prensa gráfica en general.
No por sutil, la diferencia entre fotoperiodismo y documentalismo social debe soslayarse, teniendo presente que muchas veces el documentalismo social se convierte en fotoperiodismo y viceversa, cuando por diversas causas la prensa decide que sea noticia.
Por ejemplo, las condiciones de vida de las personas que han debido abandonar sus casas por causa de las inundaciones ha nutrido al periodismo, pero desde el momento que el tema deja de ser noticia, desaparece de los diarios. El documentalismo social interesa a la prensa cuando se asocia a un hecho relevante, circunstancial y de gran impacto en la sociedad. Las villas miseria, las condiciones de vida en esos espacios de la marginalidad, pasan a ser noticia cuando sus habitantes organizan protestas, intentan ocupar nuevos terrenos o son empujados fuera de los mismos e, incluso, cuando se cometen ilícitos. Al margen de esas situaciones, aunque aquella realidad persiste, el fotoperiodismo deja de interesarse en ese tema.

Para el documentalismo social, en cambio, aunque comparta las técnicas de realización con el fotoperiodismo, se interesa siempre por los espacios y condiciones del hombre en sociedad. No está atado a lo circunstancial y por lo tanto constituye una reflexión, un intento de comprender y, naturalmente, de mostrar al hombre en sus momentos. Dicho en términos directos: no depende ni se interesa en la noticia como finalidad primaria.

Otro aspecto fundamental del documentalismo social, quizá una de sus condiciones ineludibles, es la no manipulación de las situaciones. Esto muchas veces no es bien comprendido, pero vale la pena argumentar por qué las puestas en escena constituyen antes que nada una falsificación y solo expresan eventualmente la incapacidad del fotógrafo para alcanzar sus objetivos, aunque el resultado sea estéticamente agradable y el mensaje convincente."

Fuente: rincon del vago.com

Para analizar este aspecto debemos tener en cuenta que aunque si bien va de la mano el fotoperiodismo con el fotodocumental, hay cosas que considerar con respecto al fotodocumental, éste consta de partes que nos hacen apreciar desde un punto de vista más simbólico los elementos puestos en el cuadro de

la imágen; ¿para donde señalan?, ¿cual es su discurso? entonces como podemos saber la connotación que ha tomado una imagen, si no sabemos apreciar el tema de transfondo de una imagen o no lo podemos percibir es muy probable no podamos leerlos.

El discurso está inmerso en el contexto de la sociedad, de la que saca su sentido y su coherencia. Vivimos con él, está en el centro de toda nuestra comunicación. Dado que es humano, sirve para todo lo que queremos ‘hacer con palabras’. El discurso puede ser una simple herramienta para acercarnos y enlazarnos con los seres humanos, pero a la vez puede ser una herramienta, cuando no un arma. Al fin de cuentas, el discurso está en todas partes y en todos los soportes imaginables: nuestra ropa, nuestra manera de hablar y nuestros gestos, nuestro porte, nuestra mirada , la música que ponemos a todo volumen. Todas estas formas discursivas son igualmente objeto de estudio, para los antropólogos y los sociólogos, con la ayuda de los analistas del discurso.

6.7.09

EL DOCU

Si los hermanos Lumiére fueron los encargados de sentar las bases de la relación del cine con el mundo: mirando a lo que tenían más cerca, Dziga Vertov y Robert Flaherty fueron de los primeros en adoptar el género naciente, y ya amenazado por la objetividad, y defender su esencia cinematográfica. Cada uno desde posiciones muy diferentes, pero siempre alejados de lo que años más tarde se identificaría como documental: el noticiario televisivo o reportajes.
A mi parecer uno de los primeros documentales que han existido como tal, en la historia fué Nanook El Esquimal siendo este el primer trabajo de
Robert Flaherty, éste director, tuvo que rodarlo dos veces, tras perder todo el material rodado durante años en un incendio en el laboratorio. Este accidente le abrió los ojos, y decidió no limitarse a registrar la realidad, para pasar a intervenir en ella más activamente, creando, a partir de materiales reales, una narración compleja. Flaherty sentaba así las bases de un cine documental muy alejado de lo que posteriormente se ha venido a considerar documental: el reportaje televisivo. Sus posteriores películas ahondaron en esa forma de trabajar y de concebir el cine documental, más como una visión personal del autor que como un retrato objetivo de la realidad. *1
aquí les dejo el video...


La "época de oro" del documental

El docu no siempre estuvo relegado en México. Hay autores que hablan de una época de oro de éste género que, apelativos cursis aparte, en cierto modo sí se puede asociar a un período de relativo auge de éste género. Al comienzo de la década de los 60's hubo en México una suerte de esplendor del cine de no ficción: la tardía influencia de documentalistas como Robert Flaherty o Jean Rouch tuvo en México expresiones en los filmes CARNAVAL CHAMULA (1959) José Báez Sponda, CARNAVAL EN LA HUASTECA (1960) Roberto William Garcia ( antropólogo) y MAGUEYES(1962) Ruben Gámez.

A partir de 1963 y segun algunos autores hasta 1971 se inicia una etapa de mayor importancia para el documental mexicano con el mediometraje Él es Dios (1964) de Alfonso Muñoz y Guillermo Bonfil, a los que siguen Semana Santa en Tolimán,El dìa de la boda, ambos del director Muñoz.
La década de los 70's respresenta un periodo de mayor auge del también documentalista Demetrio Bilbatúa, cuyo trabajo era visto ( pero no admirado) por muchos espectadores gracias a que se proyectaba en todos los cines con el claro objetivo de cantar loas al llamado desarrollo estabilizador del gobierno de Diaz Ordaz.

Ciertamente la expresión documentalista marca, de manera notable, los primeros años de existencia de lo que en la practica era ya la escuela de cine de la UNAM , aunque las reformas académicas que aparentemente empezaba a poner fin a la "paradoja" escolar que marginaba al género documental, supuso una definición académica acaso más lesiva, a la larga , para este género: la táctica declaración del cine documental como una especie en vías de extinción.

El documental Digital...

Con el tiempo y mucho esfuerzo volvió a surgir el documental pero ya había cambiado tanto su manera de contarlo como la manera de editarlo, así es como surge lo que hoy se llama el documental digital, la tecnología digital abre los campos al documentalista, tanto en la búsqueda de información como en el acceso a nuevas fuentes, bases de datos y al almacenamiento de la información. Otra ventaja está dada en la vertiginosidad con la que avanza la calidad y perfección de las cámaras y de sus procedimientos, que facilitan la filmación y eliminan la posible interferencia con la realidad al reducirse el tamaño de las cámaras, con posibilidad de ocultarlas en lugares inverosímiles. La filmación se optimiza en el mismo lugar de los hechos sin necesidad de esperar al revelado, se puede montar en lugares reducidos y por procedimientos mucho más baratos y recibe, en fin, todas las facilidades que puede aporta la tecnología digital. La nueva tecnología, al hacer más fácil y barata la filmación da la posibilidad de hacer más cine, y por lo tanto cine de autor, «documental de autor», que hasta hoy día consiste en mostrar cualquier actividad humana, por simple que sea, pero siempre bajo el punto de vista personal del cineasta.


*1....informacion del wikipedia..

24.6.09

EFECTOS DE BALAS EN FRASCOS, FLOREROS Y BOTELLAS.

Siguiendo con el hilo de los efectos especiales, esta vez traigo los efectos de balas en recipientes de vidrios. Mientras que los recipientes de loza y porcelana se destrozan facilmente cuando son golpeados por proyectiles metálicos, las botellas de vidrio a veces se muestran tercamente indestructibles. Por lo tanto, cuando sea necesario simular una botella rota por un disparo, es recomendable utilizar imitaciones fabricadas de otro material que no sea vidrio. Entre ellos, la cera y el yeso han demostrado comportarse en forma adecuada pero cuando la acción se encuentra involucrada una persona muy próxima a la botella, la primera opción es la mas segura.

Frascos y botellas pueden ser destruidos disparándoles proyectiles solidos mediante un dispositivo de aire comprimido. Para obtener el mejor efecto, la pistola debe colocarse lo mas cerca posible del blanco, teniendo en cuenta que el proyectil podría rebotar hacia la parte posterior del set.
Deben tener en cuenta una cosa muy importante, las botellas de cera tienden a ablandarse con el calor del estudio. Esto disminuye considerablemente el efecto de fragmentación, haciendo que el proyectil atraviese y deje un agujero decepcionantemente poco dramático; un recurso que puede rendir excelentes resultados es congerlarlas sobre un trozo de hielo seco o en un refri o, simplemente, llenarlas con agua helada en momentos antes de la acción.
En la practica, el efecto mas realista se logra usando frascos y botellas modeladas en resina transparente, del tipo que se emplea en los cristales de ventanas cuando alguien debe atravesarlos; sin embargo, estos elementos deben confeccionarse especialmente y suelen resultar algo mas onerosos.
Existe otro método que rinde excelentes resultados cuando se trata de simular frascos y botellas rotos por balas son los mencionados "impactos de bala", que actúan en forma muy similar , sea cual fuese el material en que están confeccionados los accesorios por romper. En estos casos, el procedimiento mas usual es llenar el recipiente a medias con algún liquido y sumergir el detonador ( adecuadamente impermeabilizado) en el centro del envase. Esto garantiza un efecto visual mas impactante, a la par que ayuda a controlar la tendencia expansiva de la explosión.
En los floreros los cables de disparo pueden esconderse entre los tallos y las hojas mientras que en las botellas, deben pasarse a través de pequeños agujeros en el fondo o pared lateral, impermeabilización luego si se desea utilizar liquido en ellas.
Un método mas sencillo, pero quizás menos seguro, es el colocar los detonadores bajo las botellas. El éxito en estos casos depende del que los reciba se encuentre parcialmente llenos de liquido, ya que contribuiría a distribuir la onda expansiva del detonador.

23.6.09

Animación Cinematográfica con encuadre fijo II

Construcción de títeres...

Los títeres se construyen generalmente de material flexible moldeado o aplicado sobre armazones de alambre de aluminio. Es preferible que estos alambres sean de tipo de los denominados "muertos", es decir, que no tengan ningun tipo de racción estática ( de esos que cuando se mueven tienden a volver a su lugar). Durante la animación, además, es conveniente clavarlos al suelo para asegurar que al menos una parte de ellos esté siempre firmemente amarrada. Horas de paciente animación pueden arruinarse si un títere se desliza accidentalmenten durante la filmación.

Animación en tamaño real....

Es habitual la animación de objetos de tamaño completo cuando deben atravesar la calle a gran velocidad en ciertos comerciales de TV. La comida baila en la mesa y deleitadas mujeres limpian su cocina en una brir y cerrar de ojos. En caso de objetos inanimados, todo se reduce al simple recurso de disponer los elementos en su posición inicial, exponer un fotograma, moverlos de nuevo y así sucesivamente. Pero hay cosas que se deben tener en cuenta. Durante la filamción de una secuencia larga al aire libre, por ejemplo, la luz puede cambiar a medida que pasan las nubes, los operadores pueden aplastar el cesped (provocando un violento efecto de sacudida en la proyeccion final), o mover inadvertidamente otros elementos mientras desplazan de un lado a otro los objetos que integran la escena. Cualquiera de estos factores puede hacer infructuosas largas horas de trabajo.

aquí hay un ejemplo muy claro de lo que quiero expresar...( un video muy conocido por todos creo yo)


Registro de movimientos

Para el diseñador de efectos especiales, la seleccion de tecnicas se ha visto ampliada en forma considerable; un ejemplo tipico de esta evolucion es el uso de camaras controladas por ordenador. Esta tecnica utiliza software de de ordenador para memorizar los movimientos de camara-incluidos los movimientos de zoom,c ambio de foco, paneos, dezplasamientos y seguimientos-para recrear cualquier diagramacion previa o ejercer cualquier otra funcion mediante un comando; una mejora sustancial con respecto a los metodos antiguos, que exigian que el poerador de camara recordara y ejecutara todos estos movimientos manualmente. La gran ventaja del nuevo sistema es que es capaz de realizar los mismo movimietnos una y otra vez sin intervencion humana posterior.

aqui les dejo otro video explicando con éste la diferencia entre la animacion normal a una digital.


16.6.09

Animación Cinematográfica con encuadre fijo I

Esta tecnica se aplica generalmente al hacer peliculas y spots comerciales con titeres en los cuales distintos objetos inanimados parecen moverse. Manipulados a mano, los objetos son reposiciona por partes antes de que cada cuadro de la pelicula sea expuesto. La animacion computarizada, si bien muy confundida en los ultimos tiempos, no ha desplazado a un a este tipo de animacion, al cual, para algunos, tiene una calidad mejor.

La velocidad normal de proyeccion es 24 cuadros por segundo y por lo tanto todo tipo de movimiento debe estar supereditado a esta velocidad.
Cada movimiento debe preverse en tiempo real. Digamos por ejemplo que un paquete de cigarrillos girará a un ritmo de una vuelta por segundo. Esta rotacion debe ser calculada sabiando que el paquete tiene qie dar una vuelta cada 24 movimientos.. En la practica , si cada movimiento es demasiado lento , pueden tomarse dos o tres cuadros con el objeto en la misma posicion. Tambien aqui rige el concepto de que , mientras que los movimientos lentos parecen mas realistas, lo que resultan demasiado rapidos suelen parecer algo irreales.
les dejo un video como ejemplo

226


LA LEY 226 DE IMPUESTO SOBRE LA RENTA ES MUY IMPORTANTE PARA TODOS NOSOTROS LOS CINEASTAS PUES SI NO LA TENEMOS BIEN APRENDIDA PODEMOS CAER EN ERRORES BASTANTE COMUNES
AQUI LES PONGO UN ENLACE PARA QUE SE ENTEREN DE TODO AQUELLO..


LEY 226

LA IMPORTANCIA DEL SONIDO



En este negocio no siempre importa tanto de lo que los espectadores ven, como lo que creen ver . Un actor que lanza un golpe hacia la cara de otro fallará deliberadamente, sabiendo que el ruido de los nudillos al golpear la carne será luego incluido en la pista de sonido. El sonido manipulado es muy importante en los FX, y el responsable debe considerar su uso cuando planifica una toma o una secuencia.

En la actualidad, el sonido en el cine es un hecho consumado y asimilado, a tal grado que lo entendemos como indispensable a la expresión cinematográfica. Hoy la sonorización de una película no se considera una opción del director, no parece incomodarle a nadie, y mucho menos es una novedad que sorprenda al público, incluso podría decirse que no demasiadas personas lo notan especialmente, excepto cuando se trata de la originalidad musical de una película. En los certámenes cinematográficos se premia el mérito técnico en la sonorización de las películas pero no se repara especialmente en el uso creativo del sonido; a diferencia de la musicalización, que sí se reconoce ampliamente e incluso se comercializa con enorme éxito la música original de muchas películas. El sonido en el cine resulta tan “normal” que no advertimos su valor estético o narrativo... hasta que vemos una película muda.

Imaginemos una escena en un restaurante en el cual aparecen dos personas cenando. Lo que el espectador ve es una mesa elegante, dispuesta con cubiertos de plata y candelabros haciendo juego. Aparece un camarero, entrega un menú a la pareja y luego toma el pedido. Sabemos que nos encontramos en un local concurrido porque , aunque veamos sólo una pequeña parte de él, podemos ior el rumor de las conversaciones y el repiqueteo de los cuchillos y tenedores contra lso platos, mientras que la risa de una mujer llega a nosotros desde el otro lado de un salón invisible.
El restaurante que estamos presenciando no existe en realidad, fuera del cuadro solo hay un estudio de filmacion . Hemos sido despistados adrede. Obviamente ningun director le encantaría tener que filmar una secuencia en un espacio tan reducido, pero para una breve toma que nos ponga en situacion, la puesta en escena cumplira perfectamente su proposito. El escenografo, ayudado por los efectos de sonido, habra podido crear un restaurante entero en unos pocos metros cuadrados.

Si bien es cierto que para lograr la mayor naturalidad el sonido debe integrarse armónicamente al todo y buscar la espontaneidad en los diálogos y en los ruidos, también es verdad que las posibilidades dramáticas del sonido se apartan, necesariamente, de la “naturalidad” y “espontaneidad” del realismo. Es decir, que muchos de los toques expresivos que el sonido imprime a una película no tienen un referente directo en la realidad sino que son producto de la creatividad del director. La selección que el realizador hace de los sonidos no debe partir, necesariamente, de la realidad objetiva, sino de su propia idea de cómo su película debe sonorizarse. El sonido significó un reto creativo para los directores, así como el cine mismo lo fue en sus inicios.

les dejo un video




CARNIVALE

Existe una serie llamada Carnivale, creada por la cadena televisiva HBO, ésta es tal ves la mejor serie creada por este canal: Carnivale se desarrolla en el sur de los Estados Unidos en el año de nuestro señor de 1934, justo después del gran desplome de la bolsa norteamericana en el 29, crack bursátil que condenó a la más extrema pobreza a millones de ciudadanos, abocándolos directamente a la muerte por inanición, enfermedad o simplemente a la locura y la esquizofrenia que produce haber perdido todo en cuestión de… minutos. Las habituales imágenes que vemos de aquella época de familias enteras tiradas en el camino, harapientos padres de familia enterrando sus recién nacidos, fábricas funcionando a duras penas en condiciones infrahumanas, sustentadas por el trabajo de escuálidos niños,... El gran sueño americano a principios del siglo pasado.
El cuidado de la fotografía , asi como de cada detalle hace unica esta serie y diferente a todas aquellas que ha producido HBO. Aqui les dejo un link donde pueden ver online la serie CARNIVALE
lo malo de ésto es como es tan única así también lo fué de costosa para la cadena televisiva por lo tanto no más se hicieron dos temporadas y la tercera la cancelaron por ser los costos muy altos.

10.6.09

La Semiótica

¿ Ciencia o Filosofía ?
Umberto Eco identifica semiótica general y filosofía del lenguaje, dudando de que puedan tratarse fenómenos de significación y/o representación como se trata a los objetos de la física o de la electrónica.
Sin embargo la cuestión está constantemente tergiversada al tomar en consideración a priori de "sistemas de signos" cuya constitución daría cuenta de la evidencia. La semiótica se vuelve entonces una especie de tipología de los sistemas significantes realizada a partir de la formalización más o menos acabada de estructuras formales extraídas empíricamente de cada sistema.

Queda claro que la vaguedad que domina en la noción de sistema y la imprecisión que reina, no bien salimos de los sistemas explícitamente construídos para un uso determinado (código de la ruta por ejemplo), no permiten la construcción de una teoría hipotético-deductiva, por falta de términos primitivos formalizables y con mayor razón y con mayor motivo de reglas de la deducción que le conciernen. De esta manera puede explicarse que, bajo pretexto de reintroducir el tema excluído por el estructuralismo, se haya recurrido al psicoanálisis (lo que produjo la "semanálisis" de J. Kristeva por ejemplo). En efecto, recurriendo al inconciente que, por construcción, es y será siempre una virtualidad (si no una comodidad) como un lugar oculto en el que se elabora el sentido, se disuelve todo objeto posible en una "psicología de las profundidades" menos accesible aún a la crítica científica ya que pretende situarse más allá, en la particularidad de la experiencia de un sujeto individual.

No es éste el ámbito para argumentar y debatir acerca de esas cuestiones que necesitarían importantes desarrollos. Sin embargo, independientemente de la validez de los juicios que preceden, pensamos que al exhibir un objeto para la semiótica, definido como se define todo objeto en las ciencias empíricas, podrá ofrecerse una alternativa al vértigo de los sistemas informes y de los procesos misteriosos que evolucionarían a nuestro pesar en las profundidades de nuestros inconcientes. Asumimos nuestras responsabilidades en la pregunta 3; en verdad, para nosotros se trata de producir a tiempo un corte epistemológico de la semiótica entre la ciencia y la filosofía.

9.6.09

Franz West expondrá en el Museo Tamayo



Un total de 21 obras entre esculturas, objetos, videos e instalaciones interactivas, gran parte de las cuales fueron realizadas entre finales de los años 80 y el 2009, integrarán la exposición "Franz West. Elefante Blanco" , que a partir del 11 de junio se exhibirá en el Museo Tamayo Arte Contemporáneo, de esta capital. En conferencia de prensa, Patrick Charpenel, curador de la muestra, aseguró que se trata de la primera exposición de este artista de origen austriaco que se presenta en América Latina. Afirmó que West es uno de los artistas más importantes del este de Europa del período de la pos-guerra y que gran parte de su obra está integrada por esculturas de papel maché, creadas con la intención de que el público interactúe con ellas con su propio cuerpo, es decir, tocándolas y cargándolas. Según Charpenel, es así como el artista ha buscado romper con las nociones y usos que históricamente ha tenido la escultura para propiciar la interacción del espectador con la obra, y que ésta actúe como una prótesis del cuerpo humano. Por lo que hace a sus instalaciones, agregó que West suele incluir sillas y otros muebles que también hablan del interés del artista, tanto en la función como en el aspecto de este mobiliario, además de su dimensión estética e interactiva. "West es una de las figuras clave del arte abstracto, y no sólo eso, sino que es uno de los creadores que está ejerciendo una de las influencias más importantes en las generaciones que vienen abajo y sería muy difícil que hubieran aparecido artistas como Jim Landín o Rebeca Warren, sin la obra de West" , señaló. Reiteró que West se ha caracterizado por su visión cuestionadora de las fronteras entre el arte y la vida cotidiana, entre el artista y el público. "Su obra constituye una invitación para que los espectadores piensen de nuevo en nociones preconcebidas sobre la diferencia entre el arte y la vida, la forma y la función, el espectador y el objeto, así como entre la belleza y la fealdad" , indicó. A decir de Charpenel, el título de la exposición 'elefante blanco' alude a algo que es excesivo. "En esta muestra nos referimos concretamente al desperdicio de espacio o al desgaste de energía. "Al deterioro de la materia prima aplicada en demasía, o de una acción que va más allá de los límites razonables.

Por ello decimos, cuando se produce una obra o un gesto que está fuera de toda proporción humana, que nos encontramos ante un gran elefante blanco", explicó. Es de resaltar que la obra de West, hace un llamado a pensar en los modos en los que el público interactúa física y psicológicamente con el arte, particularmente dentro de un entorno como la sala de un museo, donde usualmente los visitantes no pueden tocar las piezas de la exposición. Las 20 piezas que integran la exposición, a decir de Charpenel, fueron realizadas en metal, papel, alambre y en video, a través de las cuales es posible, literalmente, acercarse a una parte de la extensa producción de esta figura internacional que ha jugado un notable papel en el desarrollo de la creación artística posterior a 1965. Sobresale como un primer rasgo de la obra de West, la dimensión.
En sus inicios eran relativamente pequeñas, pero con el tiempo ha hecho piezas cada vez más grandes, hasta realizar instalaciones al aire libre, integradas por figuras gigantes que recuerdan formas biológicas o que parecen estar postradas. Otra característica es el uso de materiales deseables y precarios como papel maché, periódico, yeso, aluminio, gasa, cartón, alambre, mismos que a menudo recubre con pintura, ya sea blanca o de colores brillantes. Y un tercer rasgo fundamental de su trabajo, es la posibilidad y la invitación para utilizar algunas de sus obras, como sillones y sillas en los que el espectador puede sentarse a contemplar el arte desde otra perspectiva, incluso para que mire el trabajo de otros artistas que forman parte de la pieza. Es interesante resaltar que aunque las cédulas de las obras de West suelen especificar que éstas pueden ser tocadas, los espectadores se aproximan a ellas con cautela.


Las maneras en las que el público se relaciona con los trabajos expuestos demuestra elocuentemente la idiosincrasia de cada persona. Así, cuando el público interactúa con las obras, asume, de acuerdo con algunos analistas, un doble papel: el de espectador y el de parte viva de la pieza de arte. De este modo, la obra se convierte, tanto en escultura como en performance y collage. Con "Franz West. Elefante Blanco" , muestra que se presentará hasta el 13 de septiembre próximo, el Museo Tamayo da continuidad a su misión de presentar la obra de importantes artistas contemporáneos, cuya propuesta ha sentado precedentes.

FUENTE: EL UNIVERSAL

Picasso, Cézanne y Klimt encabezan encuesta de los artistas más importantes del siglo XX



Pablo Picasso, seguido de su admirado Paul Cézanne, y un artista muy distinto, el fundador de la Secesión austríaca Gustav Klimt, encabezan de momento una lista de los 200 artistas más importantes del siglo XX. La lista, que aparece en la edición de internet del diario británico The Times, la votan los lectores y puede resultar caprichosa, y aún disparatada, si se aplican criterios puramente estéticos. A los tres artistas citados siguen el impresionista Claude Monet, el padre del arte conceptual, Marcel Duchamp, el gran rival de Picasso, Henri Matisse, el expresionista abstracto norteamericano Jackson Pollock, el pionero del pop art Andy Warhol, el también expresionista Willem de Koonig, y el abstracto radical holandés Piet Mondrian, que ocupa el décimo lugar. George Braque, el otro maestro del cubismo junto a Picasso, aparece en decimocuarto lugar, detrás, por ejemplo, de Francis Bacon y Robert Rauschenberg, pero muy por delante de Juan Gris (64). A su vez, la mexicana Frida Kahlo figura en decimonovena posición, antes de Paul Klee (21), Alberto Giacometti (25), Salvador Dalí (26) o el escultor Auguste Rodin (27). Hay numerosos ejemplos más de la extravagancia de la lista como el hecho de que un artista alemán poco conocido del gran público y que destacó sobre todo por provocador e iconoclasta como el alemán Martin Kippenberger esté en el puesto 20 cuando Joan Miró figura en el 74. Por cierto que el gran surrealista español, o el expresionista autriaco Ernst Ludwig Kirchner, están muy por debajo de los británicos Tracey Emin (la de la cama sucia y deshecha), que está en el puesto 53, seguida del artista de los tiburones en formol, Damien Hirst. Otros español en la lista es Antoni Tapies (105). El mexicano Diego Rivera aparece en el puesto 155 y el cubano Félix González Torres en el 159.

7.6.09

Análisis de LA ULTIMA VIDA EN EL UNIVERSO

LA ULTIMA VIDA EN EL UNIVERSO DESDE UNA APROXIMACION SEMIOTICA.

Este análisis lo hice hace algunos meses atrás espero sus comentarios....
La metáfora en: la última vida en el universo desde una aproximación semiótica

La metáfora es, desde el punto de vista semiótico, la ruptura del símbolo, la manifestación de un conflicto interno del símbolo.
Peirce dice que una metáfora es un hipoicono que muestra determinadas tríadas de cualidades en un objeto, al mostrar tríadas de cualidades en el signo está diciendo esto mismo: que tenemos un símbolo que quien interprete use ese modelo de asociación de cualidades para que descubra cualidades análogas predicadas en un nuevo objeto a descubrir. Ahora, desde el interior del lenguaje, ese descubrir consiste precisamente en usar de nuevo ese juego predicativo, del símbolo viejo, trasladándolo para bautizar el objeto nuevo.

Pero desde el punto de vista no interior al lenguaje, esa acción de aplicar una predicación vieja en un acontecimiento nuevo requiere de fenómenos no lingüísticos y que no pueden ser reducidos al lenguaje. No pueden ser reducidos a explicaciones formales del lenguaje.
Los símbolos del primer fragmento de la película hablan de un orden, de una estabilidad en la historias de los personajes mostrados. Es una metáfora de tipo visual, dramática nos da los puntos de comparaciones dados por los textos semióticos del primer fragmento de la película. y porque le dan cierto dramatismo al mismo film.
Analizando bien el primer fragmento puedo decir que, muestran una comparación con el protagonista de la historia, en un proceso de estancamiento psicológico que lo hace caer en una de las primeras imágenes que vemos cuando se quiere suicidar, esto remitiéndonos precisamente a la metáfora de la vida y muerte, la serie de símbolos que se repiten en toda la película. Solo que un cierto grado de evolución para el personaje principal, hasta llegar a un final.
En el segundo fragmento, habla de los mismos símbolos pero ya los vemos de una manera distinta, ahora se agrega el símbolo del gallo esto hace una metáfora de que nos refuerza la personalidad del protagonista, indica su individualidad en la historia como empieza a desaparecer y otra persona empieza a ser parte de su vida. Creo que esto es muy acertado de parte del director poner en esta parte de la película la metáfora del gallo, concuerda un poco con el discurso presente en todo el film del orden y el caos, es un juego constante, se presenta muy bien con Noi, su personalidad y su modo de vivir es contraria a Kenji.

En el tercer fragmento el símbolo que destaca es la maleta, esta habla del final es una metáfora del círculo , o sea todo tiene su principio y su final, el símbolo del círculo habla siempre de ciclos que se cierran o se abren.


Sigue predominando pero en menor escala el discurso del orden y el caos, también nos muestra como metáfora el cuento y el bolso, esto quiere decir que la historia se viene acabando y que se puede empezar en cualquier momento.
A modo de conclusión, puede sonar redundante pero lo mencionado anterior de la metáfora del círculo como espectadores nos hace entender lo que en un principio no nos era muy claro.
Como conclusión general, puedo decir que el problema de la distinción que el lenguaje ordinario hace con tanta facilidad entre metáfora y lenguaje no metafórico, que mencionábamos mas arriba queda resuelto cuando comprendemos que es posible admitir una diferencia de grado en los diferentes usos del lenguaje, todo depende como queramos trasmitir nuestro mensaje y como queramos que se perciba, cosas muy distintas
En este punto del ensayo se me hace prudente mencionar las palabras de E. Garroni cuando dice que el cine en su caso particular el receptor puede percibirse de una manera determinada , este recibe información y se ve envuelto o afectado igualmente a un nivel conciente, si manteniéndonos en una terminología voluntariamente imprecisa narra alguna cosa y enriquece la narración con sugestiones connotadotas intencionales y que técnicamente pueden captarse en tal caso el cine debe ser algo articulado y estructurado.
Creo que con esto entendí que me lleva a considerar el lenguaje fílmico como algo inmediato y global, y a la vez como algo puramente instrumental y transitivo, algo que no es propiamente un lenguaje, o sencillamente como un medio que se ofrece como un simple instrumento para comprender e hilar los sucesos que vemos ante nuestros ojos, la semiótica nos da las herramientas para poder descifrarlo.
La verdad el enfoque semiótico en el cine ha ido oscilando entre una extensión mecánica difícil de aceptar, y no es fácil ver una película desde un punto de vista semiótico, antes tenemos que educarnos.



*METÁFORA - LENGUAJE - "CÍRCULO HERMENEÚTICO" -
INTERPRETACIÓN -www.henciclopedia.org.uy
**Cualquier imagen material, como una pintura, es muy convencional en su modo de representación; pero en sí misma, sin leyenda o título, puede llamarse hipoicono.
***Desde los círculos de piedra hasta la rueda, este símbolo sagrado religioso de unidad para muchas culturas antiguas, especialmente en el oriente, el círculo refleja la naturaleza continua de nuestra existencia
****E. GARRONI-PROYECTO DE SEMIOTICA-1973 PAG 64 Y 65.

EL CINE Y LA PINTURA

La comparación entre el cine, la pintura y la música, no es tan antigua como los primeros debates sobre el film. No voy a hacer extenso esta retórica pero hablaré de las posibles conexiones entre el analisis del film y el analisis de la pictorica y musicales. Estos ultimos tienen una larga tradición casi tan rica como la del analisis del relato literario, de manera que deben ser legitimamente capaces de actuar como disciplina de referencia para este artículo.

Resulta evidentemente imposible dar cuenta de todos los modos de analisis pictoricos desarrolados en los ultimos siglos. Como en muchos otros campos, el siglo XX ha tendido a considerar en su integridad un cuerpo cada vez mas enorme, que desborda rapidamente los limites de neustra cultura para incluir las artes de todo el mundo.

El analisis de obras pictoricas goza pues de una antiguedad mucho mas considerable sin lugar a dudas que la del cine, atravesado por multiples tradiciones que a veces se remontan a las reflexiones de Platón sobre la imitación artistica y que no han dejado de despertar el interés de la teoría del film . Lo que en este artículo vamos a analizar será la obra "PESCA NOCTURNA EN ANTIBES(PICASSO 1939) este analisis es de Rudolph Arnheim.


Parte de la hipótesis de que, en un buen cuadro, el significado principal debe expresarse directamente en las propiedades de la forma visual, por lo cual se propone seguir lo mas de cerca posible aquello que esta totalmente presente ante nuestros ojos , dedicandose a la realizacion de un detallado inventario descriptivo. Así distingue tres zonas principales en el cuadro de Picasso, el panel vertical de la izq.que representa a la ciudad y el castillo medieval de Antibes, el medallón central de los dos pescadores en su barca, rodeada de luz y peces, y el panel de la derecha, con las dos chicas sobre una escollera de piedra. Esta collera, que se encuentra en primer plano, se relaciona directamente con nosotros mediante los solidos cimientos de las paredes que se encuentran a base del cuadro: " Después de haber sido transportados de izq a derecha por el cuadro, nos sentimos atrapados y retenidos por las dos jovenes que, con su bicicleta y helado , con sus cabellos al viento y sus porminentes pechos, parecen estar ahi para representar a los despreocupados y estéticamente alejados de los espectadores.Este punto de observacion sire igualmente de separador "priva a los pescadores de una parte de la comunicacion directa que podrian mantener con el observador. " Picasso representa la escena central mas como algo que mira que como algo que esta allí"

La movilidad de la imagen cinematografica, que prohibe practicamente cualquier tipo de analisis compositivo del encuadre filmico , puesto que las estructuras que quedan al descubierto tras detener la imagen no "retienen" nada , en general, cuando el film empieza a desfilar por el proyector........

LA COMUNICACION DE MASAS



En el seno de la sociedad industrial avanzada, los hombres continúan comunicándose, como lo han hecho siempre, de viva voz. Pero se comunican también de mil otras maneras que les han sido legadas por la hsitoria, según técnicas que están en relación, a la vez, con el funcionamiento social y el estado general del desarrollo técnico: carta, libro, telegrama, teléfono, radio, televisión, internet, etc.

La comunicación de masas es el modo particular de la comunicación moderna, que permite al emisor de la comunicación ( el individuo o el grupo del que emana) dirigirse simultaneamentea un grán número de destinatarios. El cine, la prensa, la publicidad, la radio, la televisión, realizan, pues, la comunicación de masas: son los medios de comunicación de masas. El libro y el disco se sitúan en fronteras, puesto que, permiten dirigirse a un número de personas que puede ser considerable, pero que también puede ser restringido.

La producción industrial en su conjunto mantiene, igualmente, ciertas relaciones con la comunicación de masas. Cuando una industria fabrica y distribuye un objeto no está normalmente concebido como un mensaje, al contrario que un artículo en el diario o una emisión de radio. Sin embargo, este objeto comunica algo y lo comunica a un gran número de personas. así, el automovil posee ciertos puntos comunes con un medio de comunicación de masas, sin que, por supuesto esté hecho sea directamente dependiente de su carácter de medio de transporte.
La comunicación de masas no es , hoy , un hecho propio únicamente de los países occidentales ni, incluso de las sociedades industriales. La red de mass media es tan tupida en los paises socialista como en los paises capitalistas; y es interesante constatar que la industria cultural es muy a menudo la primera en instalarse en los paises del Tercer Mundo.

De todas formas los mass media estan hasta tal punto inetgrados con los regimenes socio-economicos y politicos, que ha parecido indispensable elegir y por tanto limitarse a un analisis de la version occidental de la comunicacion de masas; por otra parte la mas interesante y la mas rica, sociologicamente hablando. Toda clase de razones, hancen en efecto que hasta el presente al menos, solo el regimen capitalista en un estado avanzado de su desarrollo haya podido dejar
desarrollarse a los mass media como un sistema social, un conjunto dotado de autonomia , cuyas funciones som, por una parte, el producir y distribuir un cierto numero de bienes culturales, y por otra, servir de punto de comunicacion y de cofrontacion entre los diversos sectores de la realidad social.

4.6.09

DIRECCION ARTISTICA


La dirección artistica, junto con la cinefotografía, son áreas del quehacer cinematográfico que se encargan de la apariencia plástica de una película. Siempre al servicio de la realización, ambas ayudan a crear atmósfera adecuada para cada relato específico. Una buena dirección artística es tan importante como una buena fotografía, actor o director. El director de arte es el responsable de dar una unidad estilística y visual al film, siempre basado en el guión y no solo en su gusto personal. De esta forma , coordina áreas tan diversas como escenografía, ambientación, utilería, vestuario, maquillaje, así como el uso del color.

A pesar de esto, se aprecia muy poco la labor que desempeña un director artistico. Todo conocedor de cine sabe que , dirigió Ciudadano Kane, pero pocos recuerdan o saben que el el director de arte fue Perry Ferguson,a pesar de que sus diseños contribuyeron a que la película se convirtiera en un clásico de la historia del cine.

Debido a esta carencia de información, no resulta extraño que en México , apenas durante las 3 ultimas decadas, se le haya empezado a conceder cierto valor a la direccion artistica, mas allá del tradicional sentido decorativo que tuvo en el pasado. Aunque el crédito de DIRECTOR DE ARTE se genero como tal en los años 2o, la labor que desempeña se practicó de una u otra forma desde los inicios del cinemafotógrafo.

DIRECCION DE ACTORES.


Cualquier ser humano es capaz de actuar, pero no cualquiera es actor. El hecho de jugar con una historia, de aprender un texto, de moverse, incluso con gracias, en el ámbito de la ficción, lo puede ejecutar cualquier persona con una capacidad arriba de la media; y hacerlo hasta con sinceridad, habilidad, presencia y lo que muchos llaman "ángel". Mucha de esta gente llega a vivir, en el sentido amplio, de esta capacidad de actuar, con base solamente en su propio yo. Llegan a ser famosos, envidiados, admirados y ricos, e incluso paradigmas de actor, paradojicamente no son actores. Alguien así es él mismo, con sus características ,disfrazado en un juego pedestre de un simulacro de personaje, simulación que llega a repetir hasta la saciedad. Es el caso del actor aficionado y de no pocas estrellas.
Esta posiblidad de hacer de actor, no siendo actor, provoca una confusión que arrastra los actores, a los que fungen de actores, a los directores y al espectador; lo que explica la falta de rigor para abordar verdadera y profundamente la ficción y el hecho de que produzcan en el plano actoral, por lo menos, trabajos discutibles de calidad

Festival Internacional de Cine de la Ciudad de Chihuahua


El Festival Internacional de Cine de la Ciudad de Chihuahua, invita a los artistas,
directores, productores, instituciones, centros educativos públicos y privados,
organizaciones y al público en general, interesados en la producción audiovisual y como
parte del fomento a la creación de medios de expresión artística; a el primer concurso de
cortometraje en tres categorias, FICCIÓN, DOCUMENTAL y ANIMACIÓN.
Como incentivo a la creación local se hace una mención exclusiva, a talentos de la
entidad en la categoría especial mejor cortometraje CHIHUAHUENSE dentro del marco
de celebración de los 300 años de la fundación de la ciudad de Chihuahua, el cual tendrá
lugar los días 20, 21 y 22 de agosto de 2009 en Chihuahua, Chihuahua, México.
Un comité especializado seleccionará los cortometrajes que integrarán la selección oficial,
de la cual el Jurado seleccionará los cortometrajes premiados, los cuales se darán a
conocer en la Ceremonia de Premiación.

28.5.09

SUCESION DE PLANOS

El montaje por planos sucesivos corresponde al proceso de la percepcion natural, que se establece mediante la sucesion de momentos de atencion. En forma continua e inconsciente elaboramos una vision global con ayuda de los datos sucesivos de nuestra vista. Del mismo modo, la sucesion de los planos de una pelicula es vivida por el espectador como la sucesion de momentos de una misma percepcion. Es, pues, el montaje lo que le da al espectador la ilusion de percepcion real. Incluso los cambios de tamaño de plano se justifican asi. Corresponden aun acercamiento o a un alejamiento instantaneos del objetivo percibido, lo cual es fisicamente imposible, pero refleja con exactitud la realidad de la atencion.

27.5.09

ARRANCA FESTIVAL DE CINE DE DERECHOS HUMANOS

El Festival Internacional de Cine de Derechos Humanos de Buenos Aires arranca hoy su undécima edición con un homenaje al crítico y director de cine Raymundo Gleyzer, a 33 años de su desaparición, y al actor y director Pepe Soriano, en reconocimiento a su trayectoria.

El eje central sobre el que va a girar esta nueva edición del festival, que se prolongará hasta el próximo 10 de junio, es la sensación de encierro que se vive en distintos ámbitos de la realidad social.

El "II Concurso Colifata: Otra mirada", realizado en colaboración con Radio La Colifata, pionera en el mundo por emitirse desde un hospital psiquiátrico; y el apartado "Cárceles", que contará con un jurado compuesto por mujeres de un instituto correccional de Buenos Aires que elegirán el filme que mejor represente su vida entre rejas, serán las dos secciones que aborden la sensación de encierro.

Además de la proyección de más de un centenar de filmes, ordenados en secciones como "Ambiente", "Pueblos Originarios", "Miradas de Género", "Memoria y Dictadura" y "Migrantes", se realizará el "Primer Foro de Cine Social y Político", que contará con la participación de representantes del canal de televisión árabe Al Jazeera y de la organización humanitaria "Witness".

La muestra fotográfica "Mirada interior", de Valerio Bispuri, permitirá conocer de cerca la vida en las cárceles argentinas, mientras que "Ventana Nápoles" acercará al festival a una delegación representativa del sector cinematográfico de la región italiana.

Otra actividad paralela a las proyecciones será una visita guiada por el que fue el centro de detención clandestina más importante del país durante la dictadura (1976-1983), la Escuela de Mecánica de la Armada (ESMA), a lo que se sumarán varias mesas de debate, entre las que destaca una acerca del tráfico de mujeres y niños para su explotación sexual.

Entre los títulos que se podrán ver durante el festival, está la italiana "La hora del amor" que aborda el momento del encuentro de los presos con sus parejas al salir de la cárcel; mientras que "Las lágrimas de mi madre", de Alejandro Cárdenas, narra la historia del exilio de una pareja argentina en Alemania durante la dictadura.

La película que dará esta noche el pistoletazo de salida será "Stories on Human Rights" ("Historias de Derechos Humanos"), un filme colectivo compuesto de varios cortometrajes realizado para conmemorar el sesenta aniversario de la Declaración Universal de los Derechos del Hombre.

LOS TEMAS FAVORITOS DE LOS FOTOGRAFOS


Durante un largo periodo los fotografos de Mexicotrabajaron diferentes generos artisticos de acuerdo con las necesidades sociales, politicas y culturales que se presnetaron. Al importar tecnicas de represnetacion,tambien improtaron estilos de trabajo y en lso años en que la pintura era de las manifestaciones artisticas mas destacadas, la fotografia heredo de ella los temas y las formas de realizar la composicion , la iluminacion, las poses y las actitudes de los modelos ante la camara.

La capacidad de la fotografia para reflejar los elementos de la realidad tangible hizo que los temas favoritos tuvieran que ver con necesidades de representacion social, de registro o de intencion testimonial. Debido a largos tiempos de exposicion y a una preferencia pictorica en la representacion, los fotografos realizaban imagenes mas estaticas.

Una de las fotografias mas destacadas de esa epoca es la que se realizo durante la intervencion estadounidense en Mexico en 1847. En este daguerrotipo posaron, por varios minutos , los soldados defensores de la patria; tambien aparece un herido y el medico que lo opero, quien sostiene la pierna amputada del soldado en su mano. Hasta donde se tiene noticia, esta es la primera fotografía de guerra realizada en todo el mundo.

Los fotografos como Carl Lumholtz, frederick Starr ó Teobert Maler fotografiaron a los indigenas con una vision cientificista, clasificadora o en caso contrario idilica, del personaje y su entorno.
Tambien se trabajaron con una clara herencia pictorica. La pintura habia sido hasta ese momento el medio mas adecuado para preservar una imagen propia o ajena. Los costos por mandarse a hacer un retrato al oleo eran muy altos y por eso la fotografia permitio que otros grupos sociales tuvieran posiblilidad de permanecer para la posteridad en un vidrio o papel.

26.5.09

Todos en Armonía


En medio del enorme caos que significa el rodaje, el director intenta establecer un equipo de cuya creatividad depende el exito. Por supuesto, la foma en que cada uno se acerca al equipo es ligeramente diferente. Al final, el "tono" de cada equipo esta determinado en gran medida por la personalidad del director. Como director tienes que ser totalmente simpatico con los actores. hay que sentirse compenetrados con ellos, este sentimiento es valido hacerlo sentir a todos los del crew. Todos los miembros de la pelicula deben gustarse entre sí, depender unos de otros, confiar los unos en lso otros. Los actores tienen que estar convencidos de que el director los protegerá en cualquier momento, que es su mejor amigo...en un libro Oliver Stone dice " Trato de situarme ene l lugar de los actores, de sentirme como ellos, entenderles al maximo y , de esta forma poder apoyarlos con mas eficacia. Porque considero que ellos necesitan un sosten emocional y moral".

25.5.09

La nueva Fotografía Periodística



Para fines del siglo XX, la fotografía periodística y documental se convirtió en uno d elos generos por excelencia. la fuerza de los movimientos sociales en el mundo y en particular en A. L, motivaron a los fotografos a salir a la calle con sus modernas y rápidas camaras de formato 35 mm, las que conocemos hoy como reflex, para así evidenciar las condiciones sociales, políticas y economicas de estos paises.

Era una manera clara y critica de mostrar el lado oculto de los pueblos y los fotografos se porpusieron dar a conocer estos aspectos mediante un discurso testimonial. Estos trabajadores de la lente abrieron una veta documental y periodistica de la cual se beneficiaron los jovenes de aquella generacion.

Asi surgieron talentosos audaces fotografos que empezaron a trabajar para las publicaciones de indole democratico y de apertura.

Las imagenes volvieron a tener la fuerza de aquellas fotografias de los años 30, ademas que la tecnica se depuro mucho ya que se contaba con mejores equipos. Las camaras eran mucho mas ligeras, mas silenciosas, peliculas mas sensibles a la luz, que incluso ya se permitian algunas tomas sin flash en lugares ded escasa iluminacion , tambien los quimicos y los papeles habian mejorado mucho.

De esta manera se tomaron representaciones con una fuerte carga emotiva y estetica. Aquellos jovenes fotografos se hicieron especialistas en diferentes generos, por ejemplo Pedro Valtierra capturo imagenes de las terribles guerras de El Salvador y Nicaragua y Eniac Martinez muestra las condiciones entre el campo y la ciudad

Asi ha ido evolucionando la fotografia hasta nuestros tiempos.....

24.5.09

Realidad o Ficción

Durante el porfiriato la fotografía tuvo una gran variedad de usos:el registro de presos,las tomas de paisaje rural y urbano,los reportajes gráficos, la publicidad de productos comerciales, el retrato y una infinidad de propuestas fotográficas que se sucitaron con la mejoría de las técnica de reproducción y con el abaratamiento de los costos. La reproducción estereoscópica fue uno de los principales usos comerciales del arte fotográfico de la época; su importancia radico en la posibilidad de crear una ilusión óptica, sencilla y verás.


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22.5.09

EL DISCURSO CODIFICADO

Durante la epoca de oro de las revisats ilustradas, el gremio de fotorreporteros se vio favorecido por las practicas editoriales y los fotografos tuvieron importantes fuentes de empleo. La profesión cobró tal importancia que en 1947, se realizo la primera exposicion de fotoperiodismo en el Palacio de Bellas Artes, organizada por la revista Mañana y la Asociacion Mexicana de Fotografos de Prensa.

Entre los mas de 40 reporteros que participaron estaban: Antonio Carrillo Sr.,Antonio Carrillo Jr, Enrique Díaz, Enrique Delgado,Luis Zendejas, los miembros de la familia Casasola, Los hermanos Mayo..etc

En el ambito internacional tambien se dieron importantes transformaciones en las tecnicas de obtencion de imagenes: La segunda Guerra Mundia habia abierto un amplio espetro de posibilidades fotográficas. Ademas, surgieron importantes figuras y agencias internacionales que distribuyeron sus fotgrafias por todo el mundo e hicieron patentes los horrores y la devastacion de la guerra.

El fotografo Nacho Lopez implanto un discurso visual diferente: El fotoensayo. Sus Colegas con más experiencia habian dejado huellas importantes por ese camino, sin embargo es lópez el mejor representante de este nuevo género, ya que impulsa una nueva manera de trabajar la imagen . Lopez porvocaba la realidad montaba situaciones en las que hacia participantes a los habitantes de la ciudad.

Tal es el caso de Venus se fue de juega, fotografia que se logró mientras un hombre (siguiendo la idea de Lopez) paseaba por la ciudad con un maniqui desnudo. Lopez siguió la juerga de este hombre y su Venus y reetrato las diversas reacciones de la gente.
Nacho Lopez formó a muchos fotografos con su estilo critico y de fuerte denuncia social. Ademas, es uno de los pocos fotoperiodistas que han escrito sobre la practica y la teoria fotografia, creando un valioso material textual y gráfico que ha constituido un pilar en la fotografia mexicana contemporánea.

¿¿EL CINE NEGRO MEXICANO??

El cine negro, si bien no ha tenido una clara definición ni menos un margen de descricpión, el film noir o cine negro fué aquel que reinó en Hollywood en los años cuarenta y la primera mitad de los cincuenta con argumentos y personajes de índole criminal.
El término cine negro al principio tuvo una connotación crítica y analítica y durante muchos años no despertó el interés de la industria cinematográfica. Cuando se estrenó Alma en suplicio fue clasificada y comercializada como melodrama. El concepto estaba asociado a un estilo visual fuerte y característico que, sin embargo, también presentaban películas de otros géneros. Así, la crítica no sabía si considerar a este tipo de cine como un género, un estilo o un movimiento.


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EL CINE MEXICANO Y EL CINE DE ROBERTO GAVALDON

Las bases del comic estan en Alemania (Wilhelm Busch) cuando empezó a hacer unas rimas acompañadas de dibujitos, más tarde (1896) R.F.Outcalt crea una serie llamada "El niño amarillo" la cual fúe muy famosa en esu tiempo. De hecho, podriamos decir que de ahí nació la palabra periódistica "amarillismo"
El comic como lo conocemos hoy en día se inició en Alemania — por parte de Wilhelm Busch — con la publicación de unas rimas que iban acompañadas de un dibujo alusivo y que fueron conocidas como Max und Moritz. Unos cuantos años mas tarde, en 1896, Richard F. Outcalt crea una serie titulada "El niño amarillo", publicado en cierto periódico neoyorquino. De hecho, de allí nació el término periodístico ‘amarillismo’.

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El cine de Narcos

El cine de narcos o mas bien llamado el narcocine, viene de la mano con los narcocorridos, cuya popularidad aumenta día a día en todo centroamérica.
Existe un corrido muy famoso llamado " La cruz de marihuana" que se hizo película por la productora Casablanda de México, con la
dirección de Pedro Galindo. Vámonos un poco a los orígenes de la historia del narcocine, éste nacio en la década de los 70's, desde esa época en adelante el cine de narcos ha sido una fuente de ingresos constante en las pequeñas y medianas productoras cinematográficas que no reciben ayuda estatal, podría decirse que el cine de narcos esta muy ligado con el cine de ficheras o tambien que es un apéndice de éstas mismas.

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El cine de las masas ( al pueblo pan y circo)

Esperando que todos hayan tenido un buen inicio de semana. Hoy en el segmento de “El cine…”hablare de el cine comercial.
Una de las preguntas más recurrentes entre los amantes de cine de todo tipo es el ¿Por qué la gente acude con frecuencia al cine comercial?
¿Será el cansancio cotidiano, que todos tenemos por nuestra vida llena de limitantes, que vamos a encerrarnos en una caja a que nos cuenten sueños? Ó tal vez ¿ha sido por que nunca nos han enseñado el valor de apreciación de las cosas y no sabemos distinguir entre cualidad y cuantidad?

para profundizar en el articulo vea la entrada que publiqué en ...KITSUNE BLOG

LA FOTOGRAFIA PUBLICITARIA



Es importante recordar que la fotografía fue un producto de la revolucion industrial, que debido a los avances que se lograron en aquella era en amteria de química y física fue posible su descubrimeinto; tambien es importante recordar que con ello la fotografía se convirtió en una mercancía de consumo.
En esa época, la fotografía compartió los espacios publicitarios con la litografía y el grabado. Poco a poco fué ganando lugares importantes en la prensa y en los carteles que se colocaban en la calle. Actualmente las imágenes de los anuncios son tan comunes en la vida urbana que no nos extraña toparnos con ellas en cada esquina.
Así dia a día, vemos los carteles, los volantes de mano , los grandes rotulos o los llamados espectaculares en los que las imágenes parecen decir mas que mil palabras.

La fotografia publictaria es una de las menos mencionadas y reconocidas dentro de la esfera del arte: su capacidad masiva de distribucion y los altos costos que implica le han adjudicado un lugar meramente propagandistico, informativo y distante a otras manifestaciones artisticas.

Es necesario conocer su desarrollo, sus formas y estilos, la diversidad de planteamientos, su interaccion con los textos, los simbolos y los emblemas que manejan, así como el importante trabajo que hay detras de cada imagen para invitar al consumidor a comprar el producto que promueve.

El deseo, la envidia, la pasion, la felicidad son concepctos que aparecen detras de cada anuncio, desifrarlos o decodificarlos puede ser una ardua tarea para el conciente, pero tambien para crearlos.

Este genero es uno de los mas dificles de realizar, ya que implica complacer a un productor, a una agencia publicitaria y a un cliente. Muchas veces el fotografo debe olvidar su interpretacion, su idea y su concepto personal en aras del comercio.





















En publicidad, los niveles de exigencia son muy altos, la preparacion debe ser muy buena y es necesario contar con equipo de la mas avanzada tecnología ya que trabajar una sola imagen puede significar muchas horas para lograr la referencia visual adecuada al espectador.

18.5.09

Amor por siempre a Mario Benedetti



La prensa de Uruguay reseñó hoy compungida y agradecida por su labor la noticia de la muerte del poeta Mario Benedetti, considerado símbolo de la literatura del país suramericano.

En grandes titulares, con colores de luto y un exhaustivo despliegue fotográfico, los principales periódicos de Uruguay abrieron sus ediciones con la noticia del deceso del escritor.

"Gracias por el fuego" fue el titular elegido por los diarios La República y "El Observador una directa alusión a una de las novelas del escritor que refleja también el sentir de los uruguayos.

"Consternación y dolor en Uruguay y el mundo entero" por la muerte de Benedetti, tituló La República, cuya edición de hoy luce un lazo negro en señal de luto.

El diario, de tendencia izquierdista, dedica cinco páginas completas a Benedetti, en las que destacó su vida de "militancia por la literatura y la justicia social" que lo convirtió en "una figura emblemática de la literatura uruguaya e insoslayable referente ético".

Asimismo, también destacó su influencia y su amistad con importantes figuras de la cultura hispanoamericana y la "conmoción" que causó en el mundo entero la noticia de su muerte.

"La literatura se quedó sin su cómplice y todo", reza el principal titular de El Observador, en otra referencia a uno de sus poemas más célebres.

"Mario Benedetti, el hombre que supo hacer de las palabras lo que quiso, llegando a convocar en miles de páginas en blanco el silencio de la poesía, el largo aliento de la novela, los acordes de la canción, la anécdota del cuento, el rigor del ensayo y la acción del teatro, supo también hacer de esas palabras una forma de vivir adrede", señaló el periódico.

El diario Últimas Noticias destacó en portada que "el mundo llora la muerte de Mario Benedetti" y consideró que dejó "con su voluminosa y reconocida obra" un legado que "lo convierte en inmortal".

Para el diario El País de Montevideo, la muerte de "un escritor incansable", el de mayor "repercusión pública y uno de los más prolíficos del siglo XX".

El País destacó especialmente el impacto de su muerte en todo el mundo, particularmente en España, donde residió durante muchos años.

15.5.09

El cine en corto!

Buen día a todos los que leen este blog, hoy voy a hablar sobre los cortometrajes, un corto es una producción audiovisual que dura menos de media hora y mas que 30 segundos. En estos pocos minutos puedes mostrar todo tipo de emociones e historias que quieras contar.

Si bien es cierto que todas las historias por cortas o largas requieren ser valoradas y necesitan ser contadas. Yo como espectador espero de un cortometraje lo mismo que un lector espera de un cuento corto o ultracorto, que desde el primero momento leemos la primera línea nos atrape. Sí es así uno no mide la duración del corto, sino que nos sumergimos en la narración y al finalizar podemos sentir una enorme satisfacción de que lo que vimos nos gustó y no prestamos atención a los minutos transcurridos.

Debemos como realizadores llevar una relación empática con el espectador, para así meter de lleno a nuestro espectador en la trama.Sí un realizador no supo darse a entender y ni supo captar la atención de su público, es muy probable que su historia esté mal contada, aún así, menos podría llevarla a ser largometraje( es lo que muchos piensan " Nos faltó tiempo para contar mi historia").

Un profesor me decía, tiene mas valor una historia contada en un minuto que un largomtraje.

Eso a mi parecer es muy cierto, pues las posibilidades narrativas de las imágenes en movimiento son infinitas. Ese trabajo le corresponde al guionista, debe explorar hasta dar con aquellas que nos presenten una historia en el menor tiempo posible y con la mayor carga de significado y emoción ( los también llamados "giros cinematográficos")


Otra manera de entender esto se debe a la puesta en escena, toda escena tiene una situación cuya estructura esta conformada por un lugar ( en donde transcurre la acción con un tiempo y espacio definidos) también con los personajes y su trama.


Los dejaré con una frase que dijo Simon Bross, un realizador que siempre ha estado a favor del cortometraje mexicano " El cineasta considera que “el cortometraje es un gran gimnasio para los cineastas”, y compartió su satisfacción por el hecho de que muchas personas que realizaron cortometrajes con ellos hayan llegado a momentos muy importantes de su trayectoria"






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13.5.09

Aviso

Chihuahua, Chihuahua a viernes 8 de Mayo de 2009.

• Inauguran exposición fotográfica “Chihuahua alegre. Entre juegos y costumbres”.
• Presentan imágenes destacadas de la diversión y esparcimiento de los habitantes de Chihuahua.
• Promueven el arte fotográfico como medio ideal de expresión artística.
• Corte de listón el viernes 15 de mayo, a las 19:30 horas, en la “Casa de la Gestoría Cultural”, ubicada en Paseo Bolívar no. 504, esquina con Calle 5ª.

Se inaugurará la exposición fotográfica “Chihuahua alegre. Entre juegos y costumbres” el viernes 15 de mayo, a las 19:30 horas, en la “Casa de la Gestoría Cultural”, ubicada en Paseo Bolívar no. 504, esquina con Calle 5ª.
Esta exposición presenta los resultados obtenidos por un grupo de jóvenes estudiantes de nivel preparatoria quienes junto con los fotógrafos responsables del proyecto PACMYC realizaron un concurso de fotografía con el tema: “Recreación y esparcimiento”.
Este proyecto “Chihuahua alegre. Entre juegos y costumbres” busca promover y difundir una imagen positiva y alegre de la ciudad de Chihuahua y sus habitantes, además de promover al arte fotográfico como una actividad recreativa y medio ideal de expresión artística.
Esta exposición muestra la diversión y esparcimiento de los habitantes de la ciudad de Chihuahua mediante una serie de fotografías tomadas por profesionales y jóvenes estudiantes de nivel preparatoria. La exposición a inaugurarse el viernes 15 de mayo presentará las imágenes más destacadas tomadas por los cinco fotógrafos responsables del proyecto PACMYC, así como a los ganadores del concurso juvenil de fotografía.

12.5.09

Tecnica de Iluminacion

La iluminación es una parte muy importante con respecto a las escenas que se llevara a cabo la filiación debido a que le da un sentido estético a cada escena y lo mas importante es que le da la visibilidad a esta para que la cámara pueda tomar el registro de ellas y le otorga volumen a los objetos y también a los personajes para que no se vean planos.

La mayoría de las escenas trabajan con los siguientes tipos de iluminación:
1) luz principal (key light):incide en la escena a es la zona de mayor luminosidad determina el nivel de sombra que llevara la escena y con respecto a esta se disponen las demás luces se ubica a 45° en altura.
2) luz de relleno (fill light):atenúa las zonas del sujeto producidas por la luz principal sin borrarla suele ser difusa la sombra nos da cuenta del volumen fuente poderosa pero aplicada suavemente ya sea rebotándolas en plumas o en paneles tamizados.
3) contra luz: recorta los sujetos respecto del fondo remarca los sujetos se puede poner detrás o lateral pero alta.
4) luz de fondo: acentúa áreas detrás del sujeto respecto a la posición de contra genera áreas o zonas de luz separa el fondo respecto del sujeto en primer plano. también se trabaja con modelos de iluminación: 1) pictorialista: que no tiene explicación justificada para las fuentes no se justifican en términos de composición son para generar suspenso, tensión e incomodidad. 2) naturalista: es la que busca y trata de representar fielmente a la realidad.

Las lamparas que se usan para las producciones audiovisuales tienen que tener características especificas como cierto tipo de temperatura de color para determinada escena y propósito, estas luces se miden en grados kelvin,las luces de tungsteno tiene alrededor de 3200°k. y la luz día tiene 5600°k. pero claro la luz día y las lamparas varían de temperatura dependiendo del material que se utilice y el día dependiendo de la hora del día.

6.4.09

Novo Cine Latino

El nuevo Cine Latino..

Es muy común el caso de estar en el cine, no saber qué película ver, observar en la cartelera dos películas, una extranjera y otra latina, y, sin pensarlo mucho decidirnos por la primera opción. Es triste decirlo, pero son muy pocas las personas que al encontrarse en este caso se decidirían por la segunda película, ya que, por lo general, somos ya sea muy ignorantes o muy despreciativos con respecto al cine latino.
La respuesta a estas interrogantes no está solamente en nuestras continuas frases y pensamientos, en creer que las películas de Latinoamerica son “malas” y “o de bajo nivel, en que no es lo mismo ver a Bruno Bichir que a Sean Penn, en que nuestro nivel sociocultural va más allá; sino que implica también el plantearse si no es que en el fondo tenemos miedo de ver una película mexicana y toparnos de frente con nuestra realidad.
Porque la verdad es que es muy fácil criticar algo cuando no nos gusta, en especial cuando se refiere a nuestros vecinos norteamericanos, pero lo difícil está en criticar algo que es nuestro, que forma parte de nosotros, y que no siempre es de nuestro agrado.
Actualmente, esto es lo que hace nuestro cine, plantearnos las cosas comos son, señalar nuestras características, sean éstas buenas o malas, corruptas u honestas, sinceras o falsas, pero al fin y al cabo nuestras. Porque la esencia de los latinos está en todo lo que hacemos, en todo lo que decimos y es algo de lo cual no podemos renegar. Porque el cine latino toca temas de actualidad, temas que muchas veces son temidos por “la crema y nata” de la sociedad, que suelen verse involucrados en ciertos casos.
Así, temas como la corrupción en México, la pobreza de las favelas, o los golpes militares en paises del cono sur, las relaciones premaritales, el lenguaje vulgar y el desinterés del latino hacia su propia vida, son temas que generan controversia y confusión, porque como he mencionado anteriormente, no estamos acostumbrados a vernos reflejados dentro de una simple pantalla.
Sin embargo, todas estas razones me parecen en realidad excusas, barreras que como espectadores nos ponemos y que por lo mismo, no nos permiten encontrarnos con nosotros mismos.
La evolución del cine se ha ido desarrollando conforme a esta búsqueda de identidad, y ha incluido géneros tan diferentes, que intentan reflejar lo que actualmente vivimos.
Y es que nuestro actual cine latino es rico en cultura, aún cuando a veces ésta no es positiva; porque en fin, todo lo que se incluye en una película mexicana, ya sea nuestro ingenio, humor, o desfachatez, forma parte de lo que somos: de nuestro contexto cultural, que como tal, se ha encargado de reflejarnos y trascender para darnos un lugar dentro del cine internacional.

¿Pero es se deben tocar estos temas para trascender? ¿Es necesario mostrar la crudeza que nos ahoga? ¿No es el cine un entretenimiento que debería promover la diversión más que el sufrimiento?
Por tanto, no se puede excluir del cine latino a las películas actuales, a las de la época de oro, o a películas de algún otro tipo, porque cada una se ha encargado de formar nuestro cine para llevarlo a ser lo que ahora es; porque cada una contiene ideas y estilos propios y esto es lo que nos hace ricos como continente, la diversidad de ideas y opiniones.
Pero lo más importante, es que en cada película, un latino ha intentado plasmar algo dentro, y de forjar un sentido de pertenencia, para así, lograr que nuestro cine nos haga sentir orgullosos de lo que somos y, para que al estar frente a una cartelera, podamos decir con gusto: “Yo me voy por la pelicula Latina.